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28 de diciembre de 2014

PROXY (Zack Parker, 2013)

En esta ocasión voy a prescindir de la sinopsis para no arruinar nada a quien quiera ver esta película, consideración que no han tenido muchas de las webs que la han reseñado. Lo único que puedo decir es que su inicio es impactante y por eso prefiero ahorrar detalles.

"Proxy" es un thriller dramático con elementos de cine de terror que se atreve a abordar algunos temas que suelen ser tabú a la hora de mostrarlos en pantalla. No hay demasiada violencia en la película, pero hay un par de secuencias que se quedarán en nuestras retinas, una por su seca crudeza (la inicial) y la otra por que el director se recrea usando la cámara lenta (la escena de la bañera). 
La película está claramente dividida en dos segmentos. Durante la primera hora el director nos mete en el punto de vista de una enigmática mujer de la que apenas se nos dan datos aparte de su errático comportamiento. El ritmo durante esa primera parte es muy pausado y la ambientación es casi surrealista, ya que no sabemos muy bien qué está pasando ni por qué los personajes actúan de la manera en que lo hacen. En la segunda hora cambiamos de protagonista y poco a poco se nos va desvelando toda la trama. El ritmo sigue siendo lento aunque aquí la película se vuelve más irregular, con tramos que no aportan nada y que nos hacen perder interés. 

Lo mejor de "Proxy", aparte del desconcierto que provoca su primera mitad, son sus personajes tan alejados de lo convencional. Las dos protagonistas están claramente defectuosas y muestran un grado de perturbación extremo, aunque el director juega muy bien con las personalidades de ambas para que no lleguen a resultar caricaturescas. El trabajo de las dos actrices principales es notable, sobre todo el de Alexia Rasmussen que aporta una presencia inusualmente inquietante. 

Aunque en su primera mitad puede ser complicada de ver y de entender, y a ciertas incoherencias del guión, lo cierto es que las virtudes de la película prevalecen hasta que su desenlace (que está totalmente fuera de tono) estropea el conjunto. A pesar de ello, Zack Parker logra una película interesante por su originalidad y por su forma, que seguramente no te dejará indiferente. 
Mucha gente (y el propio cartel del film) resalta la influencia Hitchcockiana pero yo no termino de verla. De hecho, por momentos me recuerda mucho más al cine de David Lynch. Por cierto, el título parece hacer referencia a un síndrome o trastorno de personalidad que entenderéis cuando veáis la peli.

Mi nota: 6

22 de diciembre de 2014

ST. VINCENT (Theodore Melfi, 2014)

Vince es un viejo huraño con un carácter muy agrio, que vive sólo y en condiciones miserables. Un día, una madre separada con su hijo llegarán para instalarse en la casa de al lado y alterarán la existencia de Vince. 

Estamos ante una comedia dramática para el pleno lucimiento de Bill Murray. Más ligera y menos exigente que Flores Rotas (2005), "St. Vincent" funciona mejor de cara a un público más mayoritario. Pese a su componente dramático, es de esas películas que te dejan buen sabor de boca y de las que sales contento del cine. Está claro que no inventa nada y que la historia del viejo gruñón que termina ablándandose (aunque tampoco demasiado) la hemos vista repetida hasta la saciedad, pero ello no impide que funcione a la perfección.

Bill Murray es el alma de este film, bordando el papel de viejo perdedor acabado que repele a la gente, y se hace difícil pensar qué hubiera sido de esta película con otro actor. La química del ya veterano intérprete con el joven Jaeden Lieberher (que lo hace francamente bien a pesar de su edad) nos brinda los mejores momentos de la película.
En el reparto aparecen otros nombres conocidos, como Melissa McCarthy, Naomi Watts, Terrence Howard o Chris O'Dowd (el Roy de The IT Crowd). El director es el desconocido Theodore Melfi.

Pese al aire telefílmico de la cinta, y a la poca novedad de lo que se nos cuenta, el portentoso trabajo de Bill Murray hace que no nos aburramos en ningún momento y que lleguemos a emocionarnos en el tramo final. Están comparando esta película con Mejor Imposible (1997), pero pese a que comparten puntos en común, creo que "St. Vincent" está en un escalafón inferior tanto en pretensiones como en resultado. Sin embargo, sigue siendo muy recomendable.
Por cierto, no os perdáis la impagable secuencia durante los títulos de crédito donde el señor Murray se casca una versión a su manera de "Shelter from the storm" de Bob Dylan.

Mi nota: 6

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA (Woody Allen, 2014)

En estos tiempos de hipsterismo galopante da un poco de miedo decir algunas cosas, pero como yo ya tengo una edad y no respeto las modas, puedo afirmar con contundencia que ME GUSTA WOODY ALLEN!

Repito, me gusta Woody Allen, me agradan sus bandas sonoras de jazz clásico, me encantan sus guiones y sus diálogos, me río con la excentricidad de sus personajes, me divierte ver sus rancios títulos de crédito, e incluso me hacen gracia sus referencias intelectualoides, qué le vamos a hacer. Pues bien, todo eso es lo que vais a encontrar en abundancia en "Magia a la luz de la luna", ni más ni menos que una película típica y tópica del casi octogenario director neoyorquino.

Allen vuelve a contarnos la misma historia de siempre, aquí ambientada a finales de los años 20 (del siglo XX, parece mentira que dentro de poco vayamos a entrar en unos nuevos años 20). La trama gira en torno a un mago de carácter avinagrado y totalmente escéptico, que es invitado por una familia adinerada para que intente desacreditar a una vidente que parece estar aprovechándose de la matriarca.
La película es una comedia ligera en la línea de anteriores trabajos como Scoop (2006) o Si la cosa funciona (2009), en la que el británico Colin Firth interpreta con acierto el papel que a buen seguro se hubiera reservado el propio Woody Allen si fuera 20 años más joven. Las continuas contestaciones irónicas del personaje son lo mejor de la película, y demuestran que el director no ha perdido un ápice de mordacidad a la hora de escribir diálogos. Como partenaire tenemos a la cada vez más en alza Emma Stone, que da una buena réplica al protagonista, aunque tal vez debido a la diferencia de edad no me terminó de convencer la química entre ambos.
La ambientación está muy cuidada, tanto en vestuario como en localizaciones, y los decorados naturales de Niza le dan un particular encanto a la fotografía de la película.

Poco más que decir, si no os gusta Woody Allen no os va a gustar. Pero si os gusta, como es mi caso, os parecerá una delicia.

Mi nota: 7

19 de diciembre de 2014

MUSARAÑAS (Juan Fernando Andrés/Esteban Roel, 2014)

Agradecemos a la gente de Aullidos.com la invitación para el preestreno de la película.

Dos hermanas viven enclaustradas en una casa dentro de un ambiente severamente religioso. Aunque la pequeña hace una vida más o menos normal, la hermana mayor sufre un trastorno que le impide traspasar la puerta hacia el exterior. Un día, la aparición de un extraño alterará la vida de ambas.

A aquellos de vosotros que tengáis un perro como mascota probablemente os haya pasado que, al sacarlo a pasear un día cualquiera, vuestro can se pone a hacer sus necesidades y, cuando acaba, observáis atónitos cómo el excremento ha quedado de pie, en vertical, y dotado de una graciosa forma que parecería haber sido modelada por el más experto de los maestros churreros. Pues bien, eso es "Musarañas". Una caquita burlona.

Lo peor que le puede pasar a una película es que no tenga clara su propia identidad. Y en este caso es notorio que los directores no saben si su obra es un drama, una comedia, un thriller o una parodia. Al final se crea un batiburrillo de géneros que resulta bastante indigesto. La película no arranca mal, con una primera mitad en clave de drama con toques de terror psicológico y planteando una trama que genera muchas expectativas. Pero según va avanzando, todas las esperanzas se van yendo al garete sin remisión mientras vemos cómo la cosa se le va de las manos al tándem de directores. Lo que parecía un tenso drama termina derivando en una pantomima caricaturesca.

Asisto perplejo a una ristra sin fin de comentarios favorables en los medios sobre esta película. He visto cómo se habla de "Musarañas" mencionando repetidamente obras como "Misery", "Repulsión", "Qué fue de Baby Jane" e incluso "A l'interieur". Acepto la referencia de "Misery" porque es evidente que una parte de la trama se le parece mucho, pero el resto de comparaciones me parecen exageradas e incluso ofensivas. Pese a ser muy diferentes entre sí, todas esas películas comparten una magnífica composición de atmósfera que llega a ser opresiva para el espectador. En "Musarañas" la tensión brilla por su ausencia, y cuando se intenta crear cierto ambiente angustioso enseguida queda arruinado por las ridículas reacciones de los personajes o incluso por las interpretaciones. Mucha gente habla del mal rato que se pasa, pero en el cine la sala entera se reía en los momentos pretendidamente tensos.
El desenlace de A l'interieur (2007) conseguía impactar por su crudeza excesiva que no se reservaba absolutamente nada. Desgraciadamente, el desenlace de "Musarañas" quiere ofrecer un efecto similar pero se queda cortísima ya que los directores no se atreven a mucho no sea que el público se espante. Si realmente quieres arriesgar tienes que ir con todo y no te puedes quedar a medias, y lamentablemente eso es lo que le pasa a esta producción. Además, se nota mucho la mano de Alex de la Iglesia (aquí en teoría sólo es productor) en el desenlace caótico que ya es seña de identidad de sus propias películas.

Vamos con las interpretaciones. Macarena Gomez se come la película de principio a fin. Pero lo hace de una manera poco convencional, ya que mezcla continuamente registros altamente dramáticos con otros dignos de ser parodiados. Un segundo está bordando una escena intensa con gran sobriedad, y al segundo siguiente entra en "modo Jim Carrey" y empieza a sobreactuar exageradamente. Resulta extraño ver una actuación tan brillante y patética, que se convierte en lo mejor y lo peor de la película al mismo tiempo. Una interpretación así no se ve todos los días, y desde luego tiene su mérito. Yo le daría el Goya a la mejor actriz sin dudarlo, por hacerlo tan bien y tan mal a la vez, y no lo digo de coña.
En cuanto al resto, Nadia de Santiago está bien como hermana pequeña, mientras que Hugo Silva y Luis Tosar pasan sin pena ni gloria.
Mención aparte merece la corta aparición de la pseudoactriz y novia del productor Carolina Bang.***SPOILER***La muerte de su personaje es tan patética que parece sacada directamente de una spoof movie. De hecho me trajo a la memoria el famoso grito "Oh my gooooodddddd" de la infame Troll 2 (1990). En ese nivel estamos. Si no sabéis de qué hablo, youtubead. ***FIN DE SPOILER***

Poco más que añadir. Una pena que no se haya decidido tirar hacia un género concreto, pues podría haber salido algo curioso si se hubiese planteado esta historia dentro del género de terror psicológico, e incluso tal vez como una comedia sin cortapisas. 
Como reflexión final, resulta curioso ver cómo actúan los medios (tanto profesionales como amateurs) cada vez que sale una producción patria de este tipo. Queda claro que en este país todo va orientado al vil metal, y que da igual engañar a la gente con campañas de promoción orquestadas y muy bien pensadas. Estoy convencido de que si esta película fuera americana, la prensa la hubiera masacrado. Claro que tanto delito tienen los que engañan como los que se dejan engañar. Pero a mí no me la cuelan, aunque con casos tan flagrantes como este me empiezo a cuestionar si mi criterio no estará defectuoso. Bueno, al menos mi caca no engaña a nadie!

Mi nota: 3 (por la Macarena)


16 de diciembre de 2014

ASÍ EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO (John Erick Dowdle, 2014)

Una impetuosa arqueóloga trabaja en el proyecto de su padre, que es nada más y nada menos que hallar la alquímica piedra filosofal. Sus investigaciones la llevan hasta las catacumbas de París, donde tendrá que sumergirse acompañada de un grupo de exploradores. 

Volvemos a reseñar un found footage que redunda en los tópicos del género, aunque conservando cierta personalidad propia. El director John Erick Dowdle, autor también de The Poughkeepsie Tapes (2007), La trampa del mal (2010) o el remake de la española "Rec", Quarantine (2008), nos trae una nueva película de metraje encontrado que conserva muchas de las señas de identidad del género aunque con mucho menos terror del esperado. De hecho, una de las sorpresas de "Así en la tierra como en el infierno" es que tiene un alto componente de cine de aventuras. Esto, que a priori choca frontalmente con el formato de "cámara al hombro", le da un aire distinto a la película respecto a su abundante competencia y la hace realmente entretenida. Lo mejor de la cinta son esos momentos de "búsqueda del tesoro" que resultan muy dinámicos y atrapan al espectador.

Se nota que el director está curtido en este género y que se siente muy cómodo con esta manera de rodar. En mi opinión, la cámara no marea como en otras películas y el ritmo está bastante compensado durante todo el minutaje. Me resulta muy respetuosa con el formato, y tal vez por ello se le puede achacar cierta previsibilidad tanto en la trama como en los momentos más tensos.
Al estar ambientada en las catacumbas parisinas, la sensación de claustrofobia es bastante alta durante muchos minutos, aunque creo que no llega al grado de angustia que lograba la española La Cueva (2014). Aunque el guión aporta pocas novedades, encontramos algunos momentos tensos bien logrados, y podemos decir que el desenlace es distinto a lo acostumbrado en este tipo de producciones.

Técnicamente está al nivel de los mejores found footages, y en el habitual reparto de caras jóvenes y poco conocidas destaca claramente la actriz protagonista Perdita Weeks, que le aporta una gran frescura y entusiasmo a su personaje, de tal manera que su interpretación termina dejándonos una grata impresión.

Por lo tanto, estamos ante una película que no inventa nada nuevo pero que, pese a sus defectos, está bien producida e introduce ese componente aventurero que hace que sea muy entretenida.

Mi nota: 6,5

11 de diciembre de 2014

RELATOS SALVAJES (Damián Szifron, 2014)

Voy a ser breve, ya que no quiero destripar nada de estos "Relatos salvajes". Sin saber mucho de la película, fui a verla creyendo que era una de historias cruzadas. Pero no, realmente estamos ante una recopilación de relatos cortos que no se interrelacionan en ningún momento. Eso sí, podemos decir que tienen como nexo común un fino humor negro (en algunas de las historias mucho más intencionado que en otras) y que vienen a retratar la reacción del ser humano cuando se ve empujado al límite.

Como es lógico en este tipo de producciones, algunas de las historias tienen más interés que otras, pero en general mantienen un buen nivel. La mayoría de las tramas tienen una alta carga de crítica social, y el humor negro se usa para esconder temas muy serios. De hecho, vemos en varias ocasiones cómo aparece el lado más oscuro de las personas cuando se enfrentan a circunstancias extraordinarias.

Técnicamente la película es irreprochable, y la parte actoral no desmerece. Con tantas historias, estamos ante un amplio desfile de actores y actrices argentinos, pero quiero destacar a Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Oscar Martinez (el padre del segmento "La propuesta") y Érica Rivas (la novia del segmento "Hasta que la muerte nos separe"). Es la primera película del director y guionista Damián Szifron, hasta ahora curtido en series de televisión como "Hermanos y detectives" (que se llegó a exportar a España).

Recomendable para un amplio sector de público, aunque alguna trama puede resultar algo sórdida.

Mi nota: 7

8 de diciembre de 2014

ACROSS THE RIVER (Lorenzo Bianchini, 2013)

Un naturalista que se dedica a censar la fauna en zonas montañosas y estudiar el comportamiento de los animales, encuentra por casualidad un pequeño pueblo abandonado. Tras perder su camioneta, quedará aislado en ese lugar y descubrirá que allí habita algo extraño.

El director italiano Lorenzo Bianchini, totalmente desconocido para mí hasta ahora, sorprende con una sobria película de terror psicológico y sobrenatural que basa su potencial en una espléndida ambientación. Es cierto que los espectaculares parajes boscosos donde se rodó la película constituyen de por sí un alto porcentaje de la ambientación de la cinta, pero también es verdad que hay multitud de producciones ambientadas en lugares parecidos que no saben aprovechar los decorados naturales (veáse sin ir más lejos mi anterior reseña "Hangar 10"). En "Across the river" el bosque se erige como un personaje más, si acaso el más importante.

Pese al ritmo pausado y a contar con un único protagonista durante la mayor parte del metraje, la película no se hace aburrida en ningún momento. Podríamos decir que durante la primera mitad la trama avanza lentamente mientras asistimos a los quehaceres del protagonista. Poco a poco se van introduciendo con acierto algunos elementos extraños (prestad atención al agua, que aquí se convierte en un factor intrusivo y amenazador que no presagia nada bueno). La película decae un poco durante la segunda mitad, cuando se nos muestra en exceso qué es lo que está acosando al protagonista. Además, en esos momentos se hace patente la escasez de presupuesto con que contó el director. También se hace, en mi opinión, un mal uso de la música. Hay momentos en que el director opta por introducir música en momentos que no la requieren, y en lugar de acentúar la atmósfera de tensión logra el efecto contrario.
El actor Marco Marchese, que carga con la mayor parte de la película sobre sus hombros, hace un trabajo más que correcto y resulta totalmente creíble en su personaje. De hecho, parece que fuera naturalista en su vida real viendo la soltura con la que se maneja en la montaña.

A pesar de los defectos comentados anteriormente, y de alguna pequeña concesión al efectismo, tengo que decir que la película consiguió provocarme auténticos escalofríos en un par de ocasiones, lo que deja fuera de tota duda el poder sugestivo de esta cinta. El desenlace de "Across the river" nos trae a la memoria algunos tics del cine de horror oriental y del terror italiano de la época dorada de los Argento, Fulci y compañía, de los que seguro que Lorenzo Bianchini ha mamado mucho.
Estamos ante una de esas películas que te deja "nerviosillo" tras su visionado. Interesante.

Mi nota: 6,5

6 de diciembre de 2014

HANGAR 10 (Daniel Simpson, 2014)

Tres jóvenes se adentran en una profunda zona boscosa en busca de antiguas reliquias. Sin embargo, lo que encontrarán será muy diferente.

Los detractores del formato found footage suelen esgrimir en su contra argumentos como la falta de profundidad de los personajes, el excesivo movimiento de cámara que puede llegar a ser mareante, el abuso de secuencias nocturnas en las que apenas se ve nada, o la manera en que se suele explotar una misma localización durante toda una película. Pues bien, por una vez coincido plenamente con ellos.
Mientras que en otras películas de "metraje encontrado" todos estos defectos pueden quedar cubiertos bajo una atmósfera bien construida o incluso por unas buenas interpretaciones, "Hangar 10" adolece de todos estos problemas sin que haya otras virtudes que los oculten.

Yo, que soy un friki de este tipo de películas y me sugestiono fácilmente con ellas, pude llegar a sentir una mínima (muy mínima) inquietud durante el visionado de "Hangar 10", pero entiendo que para un espectador poco dado a sentir miedo con un found footage, ver esta película será poco menos que una tortura. Y es que, dejando aparte el que la historia está (en mi opinión) mal enfocada, lo cierto es que el interés que despierta la trama es prácticamente nulo. Los personajes son directamente odiosos y su comportamiento es más estúpido de lo habitual en este tipo de producciones, y desde el principio estás deseando que les pase algo malo para que la película se acabe pronto. El terror está poco presente, y durante la mayor parte del metraje somos testigos de los paseos de los protagonistas dando vueltas perdidos por el bosque. Cuando hay alguna escena importante, apenas se nos muestra nada, y lo poco que se ve no tiene mucho sentido.
En la parte final, el director parece querer innovar con un montaje entrecortado y unos ángulos extraños que buscan acrecentar la sensación de irrealidad o crear un ambiente de pesadilla. La idea no me parece mala, pero está tan mal ejecutada que todo ese tramo se hace insufrible porque apenas se nos deja distinguir nada en condiciones.

Sin extenderme más, ya que no merece la pena, sólo me queda seguir esperando a que se haga algo decente con estos mimbres. Desde la inocente Alien Abduction: Incident in Lake County (1998) hasta las más recientes Skinwalker Ranch (2013) o Alien Abduction (2014), todos los intentos de mezclar found footage con la temática OVNI han terminado decepcionando. "Hangar 10" es otro fracaso más, y casi se puede decir que es la peor de todas.

Mi nota: 2

19 de noviembre de 2014

THE BABADOOK (Jennifer Kent, 2014)

Con muchas ganas he visionado esta película tras las buenas sensaciones que dejó en el pasado festival de Sitges. Lo que me he encontrado tiene poco que ver con lo que esperaba, aunque esto no conlleva que no me haya gustado. Más bien todo lo contrario. The Babadook nos cuenta el día a día de una mujer viuda que tiene que lidiar con un hijo problemático de 7 años que vive obsesionado con monstruos que le visitan en su habitación. Las historias que cuenta el niño, junto a algunos fenómenos raros, terminan calando en su madre de tal manera que comienza a darles credibilidad.

Podríamos decir que "The Babadook" profundiza en el terror psicológico buscando el subconsciente de los personajes. Toda la película está salpicada de imágenes oníricas que terminan configurando la trama como si fuera una pesadilla. Pesadilla de la que se hace muy partícipe al espectador. Al esperar una historia más convencional, es posible que el espectador medio quede decepcionado e incluso se sienta engañado. De hecho, cuando terminó yo mismo no sabía decidir si me había gustado o me había parecido una estafa. Pero cuando te paras a pensar detenidamente, terminas dándote cuenta de que ésta es una película notable.

***SPOILERS***
Hay detalles que se van dando durante la película que en un principio pueden escaparse (atentos a las películas que ve la protagonista, o la afirmación que hace de pasada en un momento concreto diciendo que anteriormente se dedicaba a escribir cosas para niños), pero hay otros muchos que dejan bien claro cuál es la verdadera naturaleza del "monstruo".
***FIN DE SPOILERS***

La película, si entras en ella, está cargada de un gran poder sugestivo. Precisamente la gran baza de "The Babadook" es su capacidad de crear inquietud en el espectador creando un ambiente opresivo que va creciendo en intensidad. El progresivo estrés de la madre y el hijo terminan calando en el espectador, ya sea por medio de imágenes perturbadoras o simplemente creando sugestión sin tener que mostrar nada. En algunos momentos puede recordarnos bastante a películas de terror asiático como la aterradora Dos hermanas (A tale of two sisters, 2003). Para descargar tanta opresión hay algunos momentos de humor negro bastante apreciables, sobre todo con algunas contestaciones del niño.

De nada serviría crear tal atmósfera si los personajes no fueran creíbles. Afortunadamente, tanto Essie Davis en el papel de la madre como Noah Wiseman en el papel del pequeño Samuel realizan un trabajo portentoso. Essie Davis consigue transmitir toda la angustia que le produce tener que tratar con un hijo tan problemático y tan necesitado de atención, y la transformación de su personaje resulta memorable. Sorprende también ver a Noah Wiseman bordando su papel pese a su corta edad. Por momentos consigue que tengamos ganas de abofetearle, pero en otros momentos el niño da auténtico miedo.

En resumen, podemos decir que "The Babadook" supone un prometedor debut en la dirección de la australiana Jennifer Kent, que desarrolla la misma idea que presentaba en su propio corto "Monster" (que podéis ver subtitulado aquí), y que es una sugerente muestra de que el horror puede venir de muchos lugares pero que al final siempre está dentro de nosotros. Inquieta y da miedo sin ser una película de sustos, y para quitar algo de seriedad al asunto (o no) creo que incluso puede ahuyentar a quien esté pensando tener un hijo!
"The Babadook" tiene previsto su estreno en España el 16 de enero de 2015. Yo de vosotros apuntaría la fecha, porque ver esta película en sala grande tiene que merecer muy mucho la pena.

Mi nota: 8

16 de noviembre de 2014

INTERSTELLAR (Christopher Nolan, 2014)

Aquellos que me conocen saben mi devoción por 2001, una odisea del espacio (lo evidencia el nombre del blog), a la que considero mi película favorita. Por eso, me temo que esta reseña será aún menos objetiva de lo habitual. Y es que ha dolido.

"Interstellar" sitúa la acción en un momento difícil para la humanidad. Extraños fenómenos naturales en forma de grandes tormentas de arena están enclaustrando a la gente en sus casas y, lo que es peor, arruinan las cosechas. Las esperanzas de supervivencia se basan oficialmente en crear enormes plantaciones de alimentos, pero la NASA trabaja en secreto en otros planes sabiendo que la humanidad se enfrenta a la extinción. Un agujero de gusano descubierto cerca de Saturno les da la oportunidad de alcanzar galaxias que están más allá de nuestro sistema solar, y el descubrimiento allí de varios planetas habitables constituye una posible tabla de salvación.

Christopher Nolan vuelve a intentar aunar cine comercial con conceptos poco afines al gran público, y aquí nos cuela temas de gravedad, relatividad, multidimensionalidad y agujeros de gusano. Pero que nadie tema, ya que toda esta parte científica está contada para que la entiendan hasta los más profanos en la materia. En este sentido, sin embargo, es mucho más recomendable aprender con la maravillosa serie "Cosmos", ya sea con su etapa original o con la versión actual que presenta Neil DeGrasse Tyson.
La película está dividida en tres segmentos diferenciados. El primero nos muestra la vida en la tierra y la situación que está viviendo la humanidad. Toda esta parte redunda en la vida familiar que lleva el personaje de Matthew McConaughey, y particularmente se me hizo larga y pesada. En la segunda parte asistimos a la aventura espacial propiamente dicha, con los protagonistas yendo en busca de los planetas habitables. Tal vez este tramo es donde la película coge más brío y engancha con más fuerza al espectador. A ello contribuyen alguna lograda escena de tensión, y la importancia de las decisiones a las que han de hacer frente los protagonistas. La paradoja temporal que diferencia el paso del tiempo para los habitantes de la tierra y para los astronautas está bien conseguida, y las consecuencias de ésto se muestran con corrección.
Pese a una pretenciosidad exagerada, y a unos agujeros de guión del tamaño del mismo Saturno, llegamos al desenlace con la esperanza de que el tramo final nos deje con buen sabor de boca. Pero Nolan opta por una conclusión absurda que echa por tierra cualquier expectativa que pudiéramos tener, aunque luego profundizaré en ello.

Mucho me temo que Nolan era muy consciente de que mucha gente que vea esta película no habrá visto "2001", así que no repararán en el sospechoso parecido de algunas secuencias y de muchos conceptos. Y se aprovecha de ello. La idea general de "Interstellar" ya toma algunas cosas de la película de Stanley Kubrick, y en su desarrollo encontramos grandes semejanzas: cambiemos el monolito por un agujero negro, cambiemos Júpiter por Saturno, pongamos un diseño de naves similar, pongamos un robot con forma de monolito, acompañemos con una música que recuerde al "Así habló Zaratustra" de Strauss, utilicemos la ausencia de sonido en el espacio exterior...y tendremos así múltiples "homenajes".

***SPOILERS***
Pero lo verdaderamente sangrante es comprobar cómo, tras la escena del acoplamiento fallido de Matt Damon (que recuerda poderosamente a otra secuencia de "2001"), Nolan fusila el famoso viaje de David Bowman al entrar en el monolito, y lo que el personaje de McConaughey encuentra en el interior del agujero de gusano es...¡una habitación! Creo que llamar a esto homenaje es un gran ejercicio de cinismo.
Lo que Kubrick, en esa parte final de "2001", contaba de un modo críptico pero elegante, Nolan lo revienta de una manera burda e irrisoria. Y además, se asegura de sobreexplicar su "gran paradoja" por si acaso el público más torpe no la ha entendido. Lamentable.
***FIN DE SPOILERS***

Para terminar, introducir un concepto como el amor a modo de factor decisivo en una película de este tipo es bastante arriesgado, y si no se hace de una manera muy controlada puede llegar al punto del ridículo. Y así es, ya que Nolan termina buscando la lágrima fácil del espectador y, aunque consigue algún momento emocionante durante la película, ésto se acaba tornando repetitivo y termina siendo risible. El desenlace de la película es casi un insulto para aquellos que buscamos una ciencia ficción seria, dando más concesiones de las tolerables para que el "gran público" quede satisfecho.
Sé que muchos podréis decir que también en el desenlace de "2001" había que hacer un salto de fe (al fin y al cabo estamos hablando de ciencia FICCIÓN), pero la propuesta de la película de Kubrick, gustara más o menos, terminaba ofreciendo un debate serio sobre el pasado y el futuro del ser humano de una manera metafórica y simbólica que nos invitaba a la reflexión. El mcguffin de "Interstellar" ni propone ni resiste una segunda lectura, y se queda en una pequeña tomadura de pelo que no ha sabido imitar a su referente.

Por poner una nota positiva, creo que tanto Matthew McConaughey como Anne Hathaway salen airosos con una más que correcta interpretación, y que la banda sonora de Hans Zimmer es bastante destacable aunque hay algún momento en que la música que propone no pega demasiado con lo que vemos. Técnicamente la película no desentona, y cuenta con unos efectos especiales dignos de la gran superproducción que es.

En fin, lo único que puedo hacer es instar a todo el mundo a ver o revisitar atentamente esa obra magna que es "2001" y dejar esta "Interstellar" para un ratillo en el que no tengáis nada mejor que hacer.

Mi nota: 3

12 de noviembre de 2014

THE SIGNAL/ EXISTS /CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS/ DRACULA UNTOLD


Aquí tenéis una tanda de minireseñas con mis últimos visionados, con un poco de todo. Que os aproveche.


THE SIGNAL (William Eubank, 2014)
Tres estudiantes universitarios siguen la pista de un hacker que se ha metido en sus ordenadores. La búsqueda les lleva hasta una casa desvencijada en mitad de ninguna parte. Allí les pasará algo muy extraño que cambiará su realidad. "The Signal" empieza muy bien. La historia te engancha en un principio mientras la trama avanza proponiendo muchas preguntas al espectador. De hecho, no sabemos bien qué está pasando, y menos aún cuando el protagonista despierta en una especie de laboratorio futurista sin saber cómo ha llegado hasta allí. La película podría englobarse dentro del género de la ciencia ficción, y cuenta con una magnífica factura visual pese al bajo presupuesto con que se rodó. De hecho hay momentos en que los efectos especiales superan a los de muchas superproducciones. Pero aunque la película engancha al principio, según avanza la película va perdiendo interés hasta llegar a un desenlace que es una ida de olla absoluta. Aún así, se le puede echar un ojo.

Mi nota: 4,5




EXISTS (Eduardo Sánchez, 2014)
Found footage sobre un grupo de jóvenes que acude a pasar unos días a una cabaña en el bosque (¿original, verdad?) y termina topándose con el famoso Bigfoot. La cinta funciona por momentos pero en conjunto resulta bastante olvidable. Lo bueno es que no se molesta en gastar tiempo para presentarnos a los personajes, va directa a la acción y tiene alguna secuencia de tensión bien lograda. Lo malo es que es bastante previsible, no innova en nada, y en muchas ocasiones se salta las normas básicas del found footage. Dirige Eduardo Sanchez, el creador de "El proyecto de la bruja de Blair" y uno de los grandes culpables de la estandarización del found footage.

Mi nota: 3




CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS (Scott Frank, 2014)
Entretenida película basada en la novela negra de Lawrence Block. Liam Neeson toma el papel de un detective retirado que termina aceptando el caso de una mujer que fue raptada y apareció asesinada poco después. Aunque es una historia muy típica y casi podemos intuir todo lo que está por pasar, lo cierto es que la película consigue entretener y mantener el interés gracias en gran medida al carisma de Neeson, al que el papel le sienta como un guante. Bastante correcta técnicamente y bien dirigida, se le puede achacar la gran previsibilidad de la trama y que el desenlace da alguna vuelta de tuerca que está de más. Se deja ver bastante a gusto.

Mi nota: 6




DRACULA, LA LEYENDA JAMÁS CONTADA (Gary Shore, 2014)
Poco interés me suscitaba a estas alturas una nueva revisión de la historia del chupasangre mas famoso. Pero al menos no se nos cuenta lo de siempre, pues esta película narra cómo Vlad Tepes termina convirtiéndose en vampiro. Se ha trastocado la imagen clásica de Drácula para convertirlo en el bueno de la película y darle una justificación a su "paso al lado oscuro". Sin pasar a cuestionar estas decisiones argumentales, tenemos una película más de aventuras que de terror, que se hace amena pero que no deja poso. Luke Evans no desentona como protagonista, aunque en mi opinión le falta algo de carisma. Los efectos especiales no están mal, aunque están lejos de los de una superproducción. Otra más para pasar el rato, sin más.

Mi nota: 5

9 de noviembre de 2014

PERDIDA (David Fincher, 2014)

La mañana de su quinto aniversario de bodas, Nick llega a su casa para encontrar que su mujer Amy ha desaparecido. En la casa hay pequeñas señales de violencia, lo que hace pensar que Amy ha sido raptada. La investigación sobre este caso destapará muchos trapos sucios e historias ocultas que nadie podría sospechar.

 "Perdida" es la adaptación a la gran pantalla del bestsellser de 2012 escrito por Gillian Flynn. No he leído la novela, pero si la película es fiel al texto, me parece un gran misterio que Fincher haya aceptado rodar la adaptación de una historia tan mala. El caso es que la película empieza bien, pero según avanza se van produciendo giros a cual más increíble dando la sensación de que no se sabe cómo cerrar la trama de manera convincente. Una trama, por cierto, totalmente digna de un telefilm. El desenlace me parece totalmente absurdo, ilógico y de difícil justificación. Los mejores momentos de la película vienen dados por la ácida crítica que se hace de los medios de comunicación. Todo lo que concierne a las apariciones del personaje de Affleck en televisión y el cambiante seguimiento que los mass media hacen del caso constituyen sin duda la parte más interesante del film.

Formalmente, Fincher no hace uso de demasiados aspavientos y se decanta por una realización sencilla. Se está alabando mucho el trabajo de Rosamund Pike, llegando mucha gente a considerarla favorita para ganar premios por su interpretación, pero personalmente me parece bastante sobreactuada y me llega a resultar poco creíble. En cuanto a Ben Affleck, nunca me ha parecido tan mal actor como está considerado, aunque está claro que no es un Al Pacino. Aquí hace lo mismo de siempre, ni mejor ni peor que en otras películas. Aparece como secundario el televisivo Neil Patrick Harris, cumpliendo sin más.

En fin, creo que si nos encontráramos esta película programada en televisión un domingo después de comer, nadie quedaría sorprendido.

Mi nota: 3

20 de octubre de 2014

LA ISLA MÍNIMA (Alberto Rodríguez, 2014)

Pues sí amigos del monolito, aunque parezca mentira volvemos a comentar una película española. Pero no os acostumbréis.

"La isla mínima" es la historia de la investigación, por parte de una pareja de detectives de homicidios, de la desaparición de dos muchachas en las marismas de un pueblo del sur de España. Ambientada en el año 1980, la película comienza con unos asombrosos planos cenitales de las marismas del Guadalquivir, dignos de un gran documental. Vistos desde el cielo con esa nitidez, resulta sorprendente la semejanza de alguna de estas imágenes con un cerebro humano. Supongo que el director Alberto Rodriguez aprovecha esta coyuntura para resaltar esa analogía.

La película resulta notable en casi todos los aspectos. El desarrollo de la trama resulta atractiva para el espectador, con un ritmo bastante bueno durante todo el metraje que hace que no nos aburramos en ningún momento. La ambientación está muy cuidada, huyendo de tópicos chuscos para recrear el convulso inicio de esos años 80. De hecho hay momentos en que parece que estamos en algún lugar del sur profundo de los Estados Unidos, y las marismas casi se convierten en húmedos cenagales de los que parece que fuera a emerger un cocodrilo en cualquier momento. Es en esos momentos en los que la fotografía destaca, donde la película demuestra un nivel técnico impresionante, comparable a la de producciones americanas de alto presupuesto. Chapeau por el equipo técnico.
Raúl Arévalo y, sobre todo, un inmenso Javier Gutierrez, hacen un formidable trabajo interpretando a dos personajes casi opuestos pero con una extraña química entre ellos. El guión no es nada que no hayamos visto anteriormente, pero funciona bastante bien en las manos del director. A medida que avanza la investigación se va escarbando en el pasado de los policías, sobre todo en el personaje de Javier Gutierrez que es el que más secretos esconde. Cuando acaba la película, tenemos la impresión de haber presenciado un thriller modélico que mira cara a cara y sin achicarse a grandes películas de género americanas.

Sin embargo, hay algo que chirría. En mi opinión, se nutre excesivamente de fuentes bien conocidas. Mucha gente ha citado la serie "True Detective" como evidente inspiración, y hay mucho de cierto en ello. La pareja protagonista, la ambientación y hasta el propio apartado técnico demuestra que se han mirado los capítulos de dicha serie con bastante atención. Hasta el cartel de la película nos trae la serie a la memoria. Pero para mí hay otra referencia aún más importante, y es la coreana Memories of Murder (2003). "La isla mínima" recuerda mucho a la película de Bong Joon-Ho, tanto en concepto como en trama y personajes. Hay algunos momentos demasiado parecidos. Me parece bien que el cine español intente alejarse de la imagen algo rancia y poco moderna que suele proyectar, pero creo que hay otras maneras de buscar una identidad propia que hacer algo tan parecido a otras cosas. Bueno, al menos se intenta copiar a obras de una reconocida calidad.

Pese a ello, creo que merece verse ya que está bastante por encima del promedio de calidad en el cine patrio.

Mi nota: 6,5

MAGICAL GIRL (Carlos Vermut, 2014)

Vaya sorpresón me he llevado con esta película, de la que no sabía nada hasta el día de su estreno. Desconocía totalmente a su director Carlos Vermut, no había oído que había ganado los premios a mejor película y mejor director en el festival de cine de San Sebastián (aunque este sea un dato poco fiable conociendo cómo funcionan los festivales) y, por supuesto, no sabía nada de la trama.
Tras leer por casualidad sobre su estreno en una revista, decidimos asistir a uno de los pocos cines que la proyectan para ver qué nos encontrábamos. Y creo que acertamos de pleno.

"Magical Girl" es una película de historias cruzadas con varias tramas personales que terminan encontrándose irremediablemente. El comienzo es simple: una niña de 12 años es diagnosticada de una grave enfermedad, y su padre intenta cumplir uno de sus sueños regalándole un vestido de un personaje de dibujos japoneses. El problema es que sólo existe un vestido a la venta, y debido a su exclusividad su precio es prohibitivo.
A partir de esta premisa, Carlos Vermut compone un oscuro puzzle que visita los rincones más negros del alma humana. Y lo hace apoyándose en tres puntales: un ritmo lento que llega a ser contemplativo, un tono dramático pero con sutiles toques de un humor negrísimo, y una magnífica dirección de actores. Todo ello emparenta a la película con cinematografías como las asiáticas, muy ajenas a lo que estamos acostumbrados a ver en el cine español estandarizado. Y es que estamos ante un film realmente atípico dentro de la industria nacional, tanto por lo que se cuenta como por la manera de contarlo. Es cierto que se requiere cierto nivel de atención, sobre todo al principio, pero si permanecemos atentos se nos recompensa. Durante la primera mitad la narración se sale de lo convencional, con saltos temporales y cambios de un personaje a otro sin que aparentemente haya relación alguna. En la segunda mitad y el desenlace todo confluye y se vuelve más lineal.
Abundan los planos fijos y los silencios, pero dotados de un cierto magnetismo. La fotografía de la película tiene la virtud de convertir lugares comunes y cotidianos en algo nuevo, surtido de una extraña belleza. Otra de las grandes virtudes que tiene este film es su manera de sugerir, siendo más importante a veces aquello que no se muestra que lo que vemos en pantalla.
Se le puede reprochar que las motivaciones de los personajes son muy discutibles, y que se cuenta demasiado poco del pasado de todos ellos dejando mucho a la imaginación del espectador (esto último no es malo, es más, yo lo agradezco). También hay una pequeña crítica al momento de crisis actual que, en mi opinión, no aporta nada y sobra.

Los actores están muy bien, sobresaliendo sobre todos un mastodóntico José Sacristan, que pese a su avanzada edad sigue manteniendo una presencia en pantalla poderosísima. El tramo final de la película debería quedar como uno de los grandes hitos del actor. Bárbara Lennie y Luis Bermejo completan el trío protagonista. Ambos hacen un buen trabajo, pero en mi opinión están un escalón por debajo de Sacristán.

Hay que advertir de todos modos que no es una película para todos los públicos, pues exige más atención y paciencia de lo habitual, su ritmo es bastante lento y la trama toca temas complicados. Pero mi consejo es que intentéis verla con la mente abierta, y sin prejuicios.
En fin, un gran hallazgo.

Por cierto, quería comentar la precariedad de la sala 4 de los cines Renoir Plaza de España donde pudimos ver la película. Entiendo que la versión original sigue siendo minoritaria y que mantener una sala de estas caracteríticas ha de ser complicado, pero es penoso entrar en una sala pequeña en la que el sonido no es bueno y encima se cuela el ruido de las salas adyacentes y de la gente que camina por los pasillos de encima. Pero lo peor es que ¡las butacas no están orientadas hacia la pantalla! Están ligeramente ladeadas hacia la derecha mientras que la pantalla está ladeada hacia la izquierda, con lo que mirar directamente hacia la pantalla exige una posición antinatural. Al menos podrían cobrar más barato, pero no es el caso. Avisados quedáis.

Mi nota: 8,5





15 de octubre de 2014

ANNABELLE (John R. Leonetti, 2014)

Era de esperar, tras el éxito el pasado año de The Conjuring que no tardara en aparecer una secuela que prolongue la franquicia y, por supuesto, contribuya a llenar las arcas de sus productores. Ahora nos llega esta "Annabelle" en la que James Wan pasa a ser productor y cede el testigo en la dirección a John R. Leonetti, que ya fue director de fotografía en las anteriores películas de Wan.

Temporalmente nos encontramos ante una precuela de "The Conjuring", en la que una pareja que espera un bebé es atacada una noche en su hogar por unos miembros de una secta satánica (claramente inspirados en la diabólica "Familia" de Charles Manson). Uno de los asaltantes muere y su sangre cae en la muñeca que es la imagen de la película. A partir de ahí, empezará la pesadilla.

Tratándose de una película de franquicia comercial destinada a sacar dinero, y viendo la fría acogida de la crítica en general, uno esperaría encontrarse con una mediocridad digna de un telefilm de sobremesa. Sorprendentemente, estamos ante otra cosa. El director ha conseguido imprimir una entidad propia a esta película gracias a una puesta en escena sencillamente soberbia. En primer lugar, se ha optado por contar la historia desde una óptica de terror psicológico centrada en la embarazada protagonista. La referencia obvia, salvando las distancias, es La semilla del diablo. Incluso el edificio donde transcurre gran parte de la trama nos recuerda poderosamente al mítico edificio Dakota que utilizó Roman Polanski.
Los encuadres y movimientos de cámara que acompañan la acción son una maravilla, ayudando a meternos en el punto de vista subjetivo de la actriz protagonista, y a la vez otorgando a muchas de las secuencias una atmósfera inquietante que va gradualmente en aumento.
El guión, sin ser nada del otro mundo, se ha estructurado perfectamente para conseguir un continuo increscendo desde un inicio plácido hasta un final que...bueno, luego hablaremos del final.
En general el director ha logrado que la película mantenga un buen tempo apoyándose más en una tensión bien construida que en los típicos sustos efectistas (aunque haberlos, haylos). Buena muestra de esto es lo bien que juega el director con las expectativas del público buscando zooms o primeros planos de la muñeca, sabiendo que el espectador espera que se mueva en cualquier momento y nos pegue el gran susto. Sin embargo, la muñeca NUNCA se mueve por sí sola, y eso es un gran punto a su favor.

No hay caras conocidas en el reparto salvo Alfre Woodard en un papel secundario, y el nivel interpretativo es justito, aunque la actriz protagonista (curiosamente llamada Annabelle Wallis) cumple bastante bien.

Hasta aquí todo perfecto, pero hay un gran punto negro y es el desenlace. No sé si el final habrá sido impuesto para ser más comercial o será directamente responsabilidad del guionista o del director, pero sea como sea me parece un final vergonzoso que lastra la película y le resta muchos puntos. Pero bueno, como el viaje hasta llegar a ese final ha sido bastante placentero para un servidor, tampoco voy a ser muy tiquismiquis.
Esperaba mucho menos de esta producción, pero en general me ha sorprendido agradablemente. En estos tiempos que corren se agradece que no se haga una película de estas características con el piloto automático puesto, y que se busque algo más que contentar al público mayoritario.

Mi nota: 6,5

7 de octubre de 2014

LA ENTREGA (Michaël R. Roskam, 2014)

Bob Saginowski trabaja atendiendo en un bar de Brooklyn junto a su primo Marv, cumpliendo con las "leyes" de blanqueo de dinero de los mafiosos que regentan el bar. Una noche, de camino a casa, Bob encuentra en una papelera a un cachorro de pitbull con claros signos de violencia. Este hecho cambiará su vida y la de la gente que le rodea.

"La entrega" es un thriller dramático de corte independiente que adapta el relato corto "Animal rescue" del escritor Dennis Lehane, autor también de otras novelas que han sido llevadas a la gran pantalla, como Shutter Island, Mystic River o Gone Baby Gone.
Estamos ante una historia pequeña que, al igual que la anteriormente reseñada The Captive, avanza con un ritmo pausado que puede echar para atrás a mucha gente. Sin embargo, el guión es lo bastante sólido para que la trama te enganche y, una vez que has entrado en la película, quedas cautivado por el gran trabajo actoral que constituye la gran baza de esta producción. El dúo formado por Tom Hardy y James Gandolfini raya a gran, gran altura. Hardy, que recientemente dio muestras de su gran talento interpretativo en la recomendable Locke, vuelve a componer un gran personaje aquí, en una actuación sobria pero llena de matices que se puede emparentar en cierto modo al trabajo de Ryan Gosling en la estupenda Drive.
En cuanto a James Gandolfini, creo que es una más que digna despedida en esta su película póstuma. Lejos del típico registro de Tony Soprano, aquí se pone en la piel de un personaje perdedor, apocado, aburrido con la vida que lleva pero con la ilusión de escapar de ella aún a sabiendas de que es una quimera. Lo cierto es que Gandolfini llena la pantalla cada vez que aparece, tanto por sus kilos como por su soberbio trabajo. Una pena su pérdida.
Les acompañan sin desentonar Noomi Rapace como la chica de la película y un gran Matthias Schoenaerts como matón ex-novio de la Rapace.

Dirige con buen pulso el belga Michaël R. Roskam, cuyo anterior film Bullhead estuvo nominado al Oscar a la mejor película extranjera en 2012.

Sin ser una obra maestra, ofrece una historia interesante y tiene el aliciente de mostrar la última interpretación de James Gandolfini junto a un actor al alza y en racha como Tom Hardy.

Mi nota: 7

5 de octubre de 2014

THE CAPTIVE (Atom Egoyan, 2014)

Una niña de 9 años desaparece del coche de su padre mientras este está comprando en una tienda. Años después, aparecen indicios que pueden llevar a averiguar qué pasó.

Gran sorpresa la que me he llevado con esta película, en general vapuleada por la crítica. El director de origen armenio Atom Egoyan nos plantea un trabajado puzzle en el que hay que mirar muy atentamente cada una de las piezas. Cualquiera que lea el argumento puede pensar que estamos ante un típico thriller de asesino en serie, pero nada más lejos de la verdad. En realidad Egoyan nos ofrece un drama con toques de suspense, pero con un estilo particular. La película está contada por medio de continuos saltos temporales sin que al principio seamos muy conscientes de la relación que hay entre una secuencia y la siguiente. Pero mientras avanza el metraje, empezamos a atar cabos y a unir piezas, y vislumbramos el todo que subyace tras este peculiar modo de presentarnos la historia. Es cierto que se exige un pequeño esfuerzo por parte del espectador para comprender lo que está pasando, pero el ritmo pausado de la película nos ayuda en esta tarea.
Como digo, el ritmo es lento, a ratos casi contemplativo, pero esto no implica que no pasen cosas, todo lo contrario. En cierto modo la manera de Egoyan de contarnos la historia recuerda a esa hornada de thrillers asiáticos que tan buen resultado han dado en los últimos años, aunque tirando más hacia el estilo de Kim Ki-Duk que al de Park Chan Wook.

Se le critica a esta película el dar demasiada información desde el principio y que esto se carga el suspense que podría tener. Para mí, esto sólo demuestra el buen hacer tanto del director como de su co-guionista David Frazer, pues precisamente consiguen que el espectador se mantenga interesado hasta el final pese a desvelarnos mucho en el inicio del film.
Quiero mencionar también la banda sonora, que acompaña perfectamente el ritmo de la película y le confiere a algunos momentos clave una sensación ciertamente perturbadora.

El llamativo reparto, encabezado por Ryan Reynolds, Mireille Enos, Rosario Dawson y Scott Speedman realiza una sobria labor. Por encima del resto hay que subrayar la interpretación de Ryan Reynolds, que hasta ahora sólo me había demostrado ser un actor pésimo con suerte a la hora de conseguir papeles, pero que en esta película hay que reconocerle su gran trabajo en un papel de gran carga dramática. Espero que siga en esta línea a partir de ahora. También es de destacar la actuación de Kevin Durand (no, no es el jugador de la NBA) como malo de la película.

Este es un gran ejemplo de que no hay que fiarse de las críticas de nadie a la hora de ver una película. La recomiendo sin reservas, pero avisando de su ritmo lento y de que la veáis concentrados para no perderos al principio.

Mi nota: 8

1 de octubre de 2014

COHERENCE (James Ward Byrkit, 2013)

Cuatro parejas se reúnen para cenar justo en la noche en que un cometa surca los cielos. Pronto empezarán a ocurrir cosas de difícil explicación.

Coherence es una original muestra de ciencia-ficción mezclada con tintes de thriller. Se puede emparentar conceptual y formalmente con títulos como Primer o Triangle, con los que comparte una premisa muy original y una absoluta economía de medios. Prácticamente toda la acción transcurre en el interior de una casa, tan sólo hay unas breves salidas al exterior. De hecho, creo que esta película podría llevarse al teatro sin demasiadas dificultades, pues demuestra que no son necesarios efectos digitales de ningún tipo para contar una buena historia de ciencia ficción.

Sin desvelar nada de la trama, podemos decir que el director James Ward Byrkit en este su primer largo propone un puzzle especulativo sobre realidades paralelas que termina siendo una gran paradoja de difícil solución. Lo bueno es que todo se plantea de manera bastante natural y fácil de seguir, aunque es cierto que en la parte final el espectador casual puede llegar a perderse. El guión está perfectamente planificado, tan sólo requiere un mínimo de atención para que podamos entederlo todo (o al menos, lo necesario). Como digo, el director consigue meternos en la historia desde el principio y nos mantiene interesados hasta el final. Incluso consigue crear en algunos momentos una atmósfera extraña e inquietante que nos tiene en vilo preguntándonos qué diantres está sucediendo.
En la parte actoral no encontramos rostros conocidos, pero todos cumplen con suficiencia. Podríamos destacar la buena labor de Emily Baldoni, cuyo personaje es el que nos introduce en la historia y el que la concluye.

Interesante propuesta. Os invito a que la descubráis y me déis vuestra opinión, pues ésta es una de esas películas que da para elaborar distintas teorías.

Mi nota: 7

28 de septiembre de 2014

JERSEY BOYS (Clint Eastwood, 2014)

Y llegó el día en que Clint Eastwood se atrevió con el género musical. No es de extrañar, ya que el mítico actor/director es un apasionado del blues y el jazz e incluso ha hecho sus pinitos como cantante en alguna de sus películas. Y ya se inició en el género en 1988 dirigiendo Bird, el biopic sobre el músico de jazz Charlie Parker. Pero "Jersey Boys" se adapta más a la forma de un musical clásico, no en vano está basada en el montaje teatral del mismo título que lleva años representándose en los escenarios de Broadway.

Eastwood nos cuenta la historia de los Four Seasons, grupo nacido en los primeros 60 que llegó a alcanzar altas cotas de popularidad gracias al particular tono de voz de su cantante Frankie Valli. Estamos ante un biopic clásico, que no nos ofrece más ni menos que otras obras del género. Pero creo que es un género agradecido y muy mal hay que hacerlo para que no salga un producto cuanto menos entretenido. Y eso es lo que nos da "Jersey Boys", la oportunidad de pasar un buen rato disfrutando con las canciones de este grupo y viendo cómo se formó y se disolvió.
Es una película muy blanca, eso sí, y da la impresión de que Eastwood ha sido muy condescendiente con los personajes omitiendo o suavizando muchos detalles oscuros. Y es que teniendo a un grupo de muchachos que en sus primeros años oscilan entre la música y la mafia de New Jersey, creo que se podía haber hurgado un poco más en la relación entre la organización mafiosa y los miembros del grupo. Pero claro, estamos ante una película basada en un musical que tiende a dulcificar los hechos.
El ritmo es bastante bueno y las dos horazas y cuarto de duración no se hacen largas en ningún momento. La ambientación de aquella época está bastante lograda, es una gozada revivir las clásicas actuaciones de estos grupos en programas televisivos que en aquellos años servían de trampolín a multitud de artistas que luego fueron míticos.
La pena es que las partes melodramáticas son más dignas de un telefilm que de una película de gran presupuesto y llegan a dar un poco de vergüenza ajena. Además, en la parte final el maquillaje para envejecer a los actores no es demasiado acertado, y parece que estemos viendo a muñegotes. Yo del señor Eastwood cambiaría al equipo encargado del maquillaje por otro que lo haga más creíble.

El actor que interpreta a Frankie Valli es el desconocido Frank Lloyd Young, que ya interpretó al personaje en el musical de Broadway. Su voz encaja a la perfección con la de Valli, es de destacar su gran trabajo vocal aunque sus capacidades interpretativas quedan un poco más en evidencia. En ese sentido, tienen mucha más presencia sus compañeros de grupo, en especial un Vincent Piazza que se come la función con una interpretación magistral. Habrá que vigilar a este chico en el futuro porque va para estrella. También es de destacar el trabajo del ya veterano Christopher Walken, en un papel de capo mafioso que bien podía haber interpretado el propio Clint Eastwood.

En fin, este es un biopic en el que no se nota demasiado el sello de su director y que podía haber firmado cualquier otro. Sin embargo, no deja de ser bastante dinámico y entretenido, y no seré yo quien le ponga una nota negativa a una película sobre los inicios del Rock'n Roll.

Mi nota: 6

19 de septiembre de 2014

EL CORREDOR DEL LABERINTO (Wes Ball, 2014)

Un grupo de adolescentes vive recluido en un terreno rodeado por unos muros infranqueables, sin saber cómo han llegado allí. Tan sólo una rendija se abre diariamente dando entrada a un peligroso laberinto. Thomas, el último en llegar, intentará cambiar las cosas y encontrar una salida.

Poco que decir de esta adaptación de una trilogía de novelas de aventuras para adolescentes. La película empieza bien, la premisa de la minisociedad que se han montado los chavales es interesante, pero este aspecto se desaprovecha porque sólo se dan pequeños apuntes sin llegar a profundizar en ello en ningún momento. Cada incursión en el laberinto es menos interesante que la anterior, la faceta de aventura no está bien empleada porque no despierta el suficiente interés, y eso hace que la película vaya de más a menos hasta llegar a un tramo final confuso, absurdo y aburrido (por cierto, que alguien me explique qué pinta la chica de la película). Por supuesto, el final conduce sin remedio a una segunda parte, y supongo que ésta estará seguida por una tercera (siempre que la recaudación lo permita, claro).

El aspecto técnico es correcto sin más, pocas sorpresas tenemos en ese sentido. Los actores son en su mayoría rostros poco reconocibles para el gran público, aunque no hacen una mala labor. El mayor de ellos no creo que supere las 18 primaveras, cosa para la que no se da una razón en la película más allá de que el público a quien va dirigida sea de la misma edad (quiero creer que en los libros hay alguna justificación para que todos sean tan jóvenes). Dirige el cotarro un desconocido Wes Ball.

Bastante mediocre, aunque viendo los aplausos que arrancó al público en varios momentos, supongo que te gustará si eres menor de edad. Para cine de aventuras adolescentes, prefiero mil veces "Los juegos del hambre" (la primera, porque la segunda es harina de otro costal).

Mi nota: 3

15 de septiembre de 2014

GREMLINS 2, LA NUEVA GENERACIÓN (Joe Dante, 1990)

Hace ya más de 20 años pude ver "Gremlins 2" en un cine de verano. Siendo un adolescente, me chifló esta película que era un auténtico desmadre lleno de humor, referencias y, sobre todo, gremlins. Gracias a mi sobrino he podido revisarla estos días y así comprobar si el efecto que produjo en mí sigue vigente después de tanto tiempo.

Y la verdad es que esta secuela de la obra maestra de Joe Dante sigue conservando bastante frescura y mucha mala baba (tanto metafórica como real). Si en la Gremlins original teníamos una historia clásica de terror con toques de comedia, en esta secuela Dante opta por hacer una comedia alocada plagada de gags y de referencias a obras clásicas del género, convirtiéndose en un auténtico homenaje a las películas de serie B con las que creció. Pero siempre en clave de humor.
Mientras que en la primera película los gremlins malvados tardaban en aparecer y eran el componente que pretendía ser realmente terrorífico (y doy fe que lo eran, pues mi sobrino vio gran parte de la película tapándose los ojos, y realmente había escenas con un suspense muy bien creado), aquí entran pronto en escena y son los auténticos animadores de la función. Dejan de estar creados para asustar y pasan a ser el elemento humorístico principal. De hecho, Guizmo queda claramente ensombrecido por el carisma de esta caterva de gremlins chalados. Asistimos a un desfile de gremlins que evolucionan de distintas maneras; tenemos a un gremlin eléctrico, un gremlin-araña, un gremlin murciélago, un gremlin mujer, etc. Y sobre todo tenemos a un gremlin hablador que es la gran revelación de la película, y que en la versión doblada cuenta con la voz de Constantino Romero en una interpretación maravillosa.

La diversión está garantizada gracias a un ritmo desenfrenado que no da tregua en ningún momento y termina en un festín de aúpa que hasta incluye un alocado número musical. Hay un gran número de cameos de personajes famosos de la época (incluyendo el inicio con Bugs Bunny y el Pato Lucas), y abundan los homenajes y parodias a distintas películas, sobre todo de serie B. Aunque la película es muy blanca, se deja entrever una velada crítica al poder y al progreso simbolizados en el edificio corporativo en el que transcurre toda la acción.

Los efectos especiales merecen un gran mención, pues aquí la cantidad de bichos en pantalla a veces es exagerada, y cada uno de los gremlins están animados con un detalle exquisito y minucioso. No en vano el encargado de estos efectos fue el mítico Rick Baker, creador de los fx de Un hombre lobo americano en Londres. Se vuelve a tirar de animatrones para animar a los gremlins, aunque en algún momento se tiene que recurrir al clásico método de animación fotograma a fotograma (inolvidable el gremlin murciélago convirtiéndose en gárgola). Un 10 como una catedral para el señor Baker.

Junto a Joe Dante dirigiendo, también repiten como protagonistas Zach Galligan, Phoebe Cates y el gran Dick Miller. Destacables son las apariciones de un distraído John Glover (famoso años después por su papel de Lionel Luthor en Smallville), del mítico Christopher Lee como "mad doctor" y de Robert Prosky (los veteranos recordaréis su participación en Canción triste de Hill Street) homenajeando al drácula de La familia Monster.

En fin, pese al tiempo transcurrido podemos decir que "Gremlins 2" sigue conservando su encanto y su gracia, y sigue siendo un gran exponente de ese cine artesanal que ya hace tiempo que desapareció. Sólo cabe reivindicar esas técnicas y ese trabajo minucioso, y más ahora que se anuncia un remake de Gremlins en el que probablemente todos los efectos serán digitales.
Y nada más, desde aquí doy las gracias a mi sobrino Héctor por permitirme volver a verla. Ole!

Mi nota: 7

14 de septiembre de 2014

Autospam!

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Muchas gracias a tod@s!

7 de septiembre de 2014

LÍBRANOS DEL MAL (Scott Derrickson, 2014)

Un policía con un instinto "especial" investiga junto a su compañero un caso de maltrato doméstico. A partir de ahí, se verán envueltos en una espiral de sucesos de difícil explicación.

Le tenía bastantes ganas a "Líbranos del mal" tras el buen sabor de boca que me dejó la anterior película de su director Scott Derrickson, Sinister.  Pese a sus defectos, "Sinister" terminaba siendo un producto más que decente y nos regalaba algunos pasajes genuinamente terroríficos. Y lo cierto es que los tráilers que había podido ver de "Líbranos del mal" prometían mucho, anticipando una historia basada en hechos reales con reminiscencias de The Conjuring y El Exorcista. Pues bien, desde aquí quiero darle mi más sincera enhorabuena al creador de esos avances, porque una vez más nos han vendido la moto, y de qué manera.

Lo primero es que se nos anunciaba como una película de terror con la que podríamos manchar involuntariamente nuestra ropa interior y, aunque tiene bastantes elementos del género, estamos más ante un thriller sobrenatural que ante un film de horror como tal. Además, la parte siniestra está muy mal aprovechada, ya que la atmósfera está poco trabajada y no hace grandes esfuerzos por involucrar al espectador, y eso que hay bastantes momentos proclives a crear tensión. Todo se deja en manos de los típicos sustos facilones con subidón de sonido para sobresaltar al público incauto (al menos eso funcionó con varias personas que tenía sentadas en butacas cercanas).
La dirección de Derrickson me parece bastante plana, sobre todo en una primera mitad en la que parece que estemos viendo un telefilm de sobremesa. Además, el ritmo es muy irregular y por momentos parece que la película esté hecha a retazos inconexos, de hecho se intuyen unos cuantos tijeretazos en el metraje. Las dos horas de duración me parecen excesivas, se podía haber conseguido un producto mucho más ágil quitando 15 o 20 minutos.
Lo más destacable tal vez sea la parte final, que al menos eleva el interés y donde asistimos a un exorcismo bastante intenso que nos saca del amodorramiento en el que estábamos inmersos.

Para intentar enmendar la plana, tenemos como protagonista a un Eric Bana que, si bien demuestra que no tiene muchos registros, sí que aporta cierta presencia en pantalla. Junto a él, destacan el venezolano Edgar Ramírez como el padre Mendoza y Joel McHale (el Jeff Winger de la serie Community) como el policía compañero de Bana, que proporciona los pocos momentos cómicos de la cinta.

Como curiosidad, hay que decir que Eric Bana interpreta a un personaje real llamado Ralph Sarchie. Se trata de un expolicía neoyorkino que asegura haberse topado con multitud de casos de personas poseídas por demonios. Esto le llevó a retirarse del cuerpo de policía y hacerse demonólogo. Una pena, porque con esos mimbres creo que se podía haber creado una muy buena peli de terror, pero en cambio se ha quedado en un thriller que nos deja indiferentes, de esos de ver y olvidar.

Mi nota: 4

27 de agosto de 2014

LOCKE (Steven Knight, 2013)

Es de noche. Un trabajador de la construcción se quita el casco, las botas y el uniforme y se mete en su coche. Arranca y emprende un trayecto que cambiará su vida.

Ésto es "Locke", película dirigida por Steven Knight e interpretada magníficamente por Tom Hardy. No sabía nada de esta película hasta que ví por la calle los carteles que la anunciaban como uno de los mejores thrillers del año. Investigando un poco, pero sin querer enterarme demasiado, leí que la comparaban con "Buried (Enterrado)" porque toda la película transcurre en el interior del coche con el único personaje de Ivan Locke. Pues bien, ni estamos ante un thriller ni esta película tiene nada que ver con "Enterrado". Lo que se nos propone aquí es un drama con todas las letras, y la única incógnita que hay es saber qué está sucediendo y por qué Locke está tomando las decisiones que toma. No quiero contar nada del argumento, pues chafaría toda la película, pero el guión está perfectamente estructurado y consigue que nos interesemos por una historia ciertamente trivial, el drama interior de un hombre perseguido por sus propios demonios.

Destaca sobre todo una gran interpretación de Tom Hardy, el único actor que vemos en pantalla y que desde el asiento de conductor tiene que transmitir un amplio abanico de emociones mientras habla continuamente por teléfono. Un papel complicado pero que el actor británico solventa muy convincentemente. Me gustó también la música tranquila que acompaña al film, creación de Dickon Hinchliffe. Como punto negativo, me sobran los continuos planos en que vemos los reflejos de las luces de la ciudad en la luna del coche. Si fueran puntuales no molestarían, pero están omnipresentes en toda la película y dan una sensación de pretenciosidad, buscando tal vez potenciar la etiqueta "indie" con imágenes preciosistas que a mí me estorban por exceso.

En definitiva, me parece una película que sin contar gran cosa consigue suscitar el suficiente interés para verla del tirón y que nos deje buen sabor de boca. Eso sí, hay que verla sabiendo que estamos ante un drama y no un thriller, que no os confunda la publicidad. Y ante todo, es una película de un gran nivel actoral, aunque sólo haya un actor. Recomendable.

Mi nota: 6,5

20 de agosto de 2014

GUARDIANES DE LA GALAXIA (James Gunn, 2014)

Desde que se anunció este proyecto mi interés ha ido cambiando entre virtualmente nulo y poco más que cero. Y es que estos Guardianes de la Galaxia eran unos personajes totalmente desconocidos para mí. De niño leí bastantes tebeos de la Marvel, pero apenas recuerdo que se mencionara a estos personajes. Así que me sorprendió que saliera adelante esta producción, ya que hasta ahora Marvel había tirado de personajes ultraconocidos para sus películas. Pero bien es cierto que, desde que iniciaran una nueva etapa en 2008 con Iron Man, todas las pelis marvelitas han funcionado bastante bien y, por ese lado, esta peli merecía una oportunidad.

Es esta la primera película espacial de Marvel, donde la Tierra apenas aparece al principio en un flashback. Todo sucede en otros lugares del universo, con nuevos personajes. El grupo principal está formado por una curiosa mezcolanza de individuos variopintos liderados por el "terrano" Starlord (un gran Chris Pratt), un forajido humano que fue secuestrado por una raza alienígena cuando era un niño. Junto a él, tenemos a una panda de seres de distintas razas y de discutible reputación. Tal vez los mejores momentos se los llevan los dos personajes digitales: Rocket, una especie de mapache cazarrecompensas (en versión original con la voz de Bradley Cooper) y Groot, un ser que parece el tronco de un árbol y que acompaña en todo momento al mapache (la voz de Groot la pone Vin Diesel).

La historia no es nada del otro mundo, pero tampoco hace falta. Pues la película es pura diversión desde su inicio (puro homenaje a Indiana Jones) hasta su final. Con un ritmo trepidante, la cinta tiene un acento macarra y humorístico mucho más marcado que Los Vengadores, (aunque algunos gags sean demasiado chorras), pero ello no va en detrimento de la parte aventuril. Se ha pretendido también que la película sea un continuo homenaje a esa tan amada/odiada década de los ochenta, empezando por la cinta de cassette que lleva perennemente Starlord y que está plagada de famosos temas ochentosos. Y uno de los mayores homenajes está en la escena postcréditos, no digo más. Es posible que este componente nostálgico sea un buen aliciente para la mayoría del público, pero a mí me termina cansando, qué queréis que os diga. Pese a ello, como digo, la peli es un no parar y sus 120 minutos pasan en un suspiro. Algunas escenas son de aplauso, y es que se nota que estamos ante una superproducción muy cuidada. Diseños, personajes, naves, armas... todo está cuidado al detalle para ofrecernos un entretenimiento del máximo nivel. La dirección de James Gunn no se aparta de los cánones de las producciones Marvel, lo cual me parece positivo ya que consigue que identifiquemos a unos personajes nuevos como unos más dentro del vasto universo marvelita.

La jugada era más arriesgada de lo habitual, pero Disney y Marvel vuelven a salir airosas. La película está siendo un éxito de taquilla importante, por lo que es seguro que tengamos secuelas. Poco más que decir, bastante recomendable para pasar un rato divertido y comprobar que la franquicia cinematográfica de Marvel sigue en plena forma. Pese a no contar con grandes estrellas ni con personajes reconocidos, Guardianes de la Galaxia consigue estar a la altura de "Los Vengadores". Con eso está todo dicho.

Mi nota: 7,5

16 de agosto de 2014

BEGIN AGAIN (John Carney, 2013) / #CHEF (John Favreau, 2014)

Cambiando un poco de tercio, nos pondremos un poco más ñoños de lo habitual con estas dos películas que están en cartel, y que son bastante recomendables para ver en estos días de calor acompañados de vuestros cónyuges/cónyugas sin temor a que os abronquen tras su visionado. Además pueden ayudar a cambiarte el humor si has tenido un mal día.

Begin Again


En el ya lejano año 2006, Once se convirtió en una de las grandes revelaciones del cine independiente llegando a ganar un Oscar a la mejor canción original y cosechando grandes críticas. Ahora nos llega la nueva película de su director, el irlandés John Carney. Begin Again cuenta el encuentro casual de un productor musical arruinado y una cantautora ocasional en un momento de crisis. 

En Once la pareja protagonista (cantantes profesionales más que actores) funcionaba tan bien, que  mi mayor temor con Begin Again era que, teniendo esta vez a dos actores tan conocidos como Mark Ruffalo y Keira Knightley, la credibilidad de la historia se viera afectada. Sin embargo, la química entre ambos es sorprendentemente buena y dan el pego totalmente. Ruffalo demuestra ser un actor carismático capaz de ir más allá de lo que nos ofrecía como doctor Banner en Los Vengadores. Y la Knightley se descuelga como una buena cantante interpretando la mayoría de temas que suenan en la película.

Si bien las canciones me parecen algo inferiores a las de Once, tienen su gracia y es innegable el buen gusto musical de Carney (la mención a Randy Newman es una buena muestra). Como ya sucediera en Once, es admirable la manera que tiene el director de integrar la música en la película, lo que siempre nos arranca una sonrisa. Incluso volvemos a tener cantantes profesionales en el reparto, como Adam Levine (vocalista de Maroon 5 o CeeLo Greeen). Pese al componente romanticón y al "happy ending", esta es una de esas películas que nos deja muy buen cuerpo al salir del cine.

Mi nota: 7

#Chef


#Chef (sí, con el hashtag delante) es la nueva comedia dirigida e interpretada por Jon Favreau (director de las dos primeras películas de Iron Man). Aquí tenemos la historia de un chef que se ve empujado a dejar su trabajo por una reseña negativa de su comida escrita por un influyente crítico gastronómico.

Comedia más ligera que Begin Again, pero igual de refrescante y más divertida, #Chef es un festín para nuestros sentidos y es posible que oigamos el rugir de nuestro estómago en más de una ocasión. Pues es una delicia ver las secuencias en que el personaje de Favreau prepara sus platos, casi se puede oler el aroma de cada comida. El director/actor se alza en esta película demostrando su carisma y rodeándose de una pléyade de secundarios de la talla de Dustin Hoffman, Scarlett Johansson, Robert Downey Jr., John Leguizamo, Sofía Vergara y Oliver Platt.

Además de las continuas recetas que vemos en pantalla, también es destacable la música que nos ofrece #Chef. Tenemos muchos ritmos latinos que le sientan muy bien a la película, y también algunos sonidos de Nueva Orleans o de Texas que ilustran perfectamente los lugares por los que van pasando los protagonistas. Aunque el guión es bastante simple, Favreau aprovecha algunos momentos para criticar el uso de las redes sociales o ironizar sobre la manera en que se educa a los hijos hoy en día. Pero al final prevalece el tono de comedia suave, de esas que se agradecen de vez en cuando y que al finalizar nos dejan bastante satisfechos aunque con mucha hambre, eso sí.

Mi nota: 6

10 de agosto de 2014

AT THE DEVIL'S DOOR (Nicholas McCarthy, 2013)

A una agente inmobiliaria le ofrecen una casa para que intente venderla con cierta urgencia. Pero la casa oculta secretos que poco a poco irán saliendo a la luz.

Con esta premisa, uno espera encontrarse la típica película de casa encantada con un desarrollo totalmente previsible. Sin embargo, estamos ante una buena muestra de que una historia mil veces contada puede parecer nueva si se cuenta de manera distinta. El director Nicholas McCarthy nos ofrece una sólida pieza de género queriendo apoyarse en una buena atmósfera antes que en los típicos sustos que abundan en este tipo de producciones. Y lo consigue (a medias) gracias a un ritmo pausado, a una banda sonora que acompaña muy bien en segundo plano, y a unas convincentes interpretaciones de las tres actrices principales: Ashley Rickards, Catalina Sandino Moreno y Naya Rivera.

La historia se divide en tres partes diferenciadas, y en cada una de ellas cambiamos de actriz protagonista, aunque siempre guardando relación entre todas. El director entremezcla el presente con flashbacks del pasado de manera bastante acertada y, aunque la trama no es nada compleja, se introducen algunos elementos dramáticos que pretenden darle una segunda lectura a la historia. La ambientación que se le ha dado a la película es su gran baza, y funciona bastante bien consiguiendo en varios momentos causar escalofríos en el espectador alejándose del susto fácil.
Sin embargo hay un par de puntos negros, y es que el ritmo lento de esta cinta puede llegar a hacerse pesado por momentos. Y además, es una pena que en una película de este tipo, que sugiere más que muestra, haya un par de concesiones al susto mainstream enseñando más de lo que debe. Estos momentos se alejan del tono general de la película y lastran el resultado final.

Pese a ello, la resolución es coherente y deja buen sabor de boca, así que podemos recomendar At the Devil's Door agradeciendo que intente alejarse de los tópicos del cine de terror y busque explorar el género desde un punto de vista más original. Por cierto, un buen detalle del director el dedicar esta película a la memoria de nuestro Jess Franco.

Mi nota: 6,5

6 de agosto de 2014

THE GRAND (Zak Penn, 2007)

Como Incident at Loch Ness me dejó muy buen sabor de boca, decidí visionar la siguiente película del director Zak Penn, esta "The Grand". Tenemos aquí una comedia que gira alrededor de un torneo de póker profesional.

Está rodada a modo de falso documental, y recuerda poderosamente al formato utilizado por varias comedias televisivas como "The Office" o "Modern Family". La película está plagada de gags, algunos más afortunados que otros, y nos plantea un desfile de numerosos personajes a cual más pintoresco, siempre bordeando la parodia y buscando el chascarrillo. La lista de intérpretes es larga, con Woody Harrelson capitaneando y secundado por múltiples nombres más o menos conocidos que aparecen haciendo cameos. Son de destacar las apariciones de Werner Herzog haciendo parodia de sí mismo, y de Dennis Farina, cuya entrada es uno de los momentos más memorables de la película.

La cinta empieza bien, y discurre mezclando momentos de humor surrealista con otros más ácidos, pero el problema viene a partir de la mitad, cuando el humor empieza a decaer y la peli empieza a hacerse cuesta arriba. Toda la última parte, que corresponde al torneo en sí, debería ir aumentando en interés pero en cambio cae en declive hasta llegar a un final que es casi un anticlimax y nos deja con la sensación de que el director ha desaprovechado una buena oportunidad para conseguir una grand comedia. Aún así, se deja ver y tiene momentos muy buenos.

Mi nota: 6


3 de agosto de 2014

COLD IN JULY (Jim Mickle, 2014)

Un matrimonio despierta en mitad de la noche por unos ruidos que parecen provenir del salón de su casa. Richard, el marido, pistola en mano, se encuentra en el salón con un hombre enmascarado. Sobresaltado y, casi por accidente, Richard dispara contra el intruso terminando con su vida.

Este es el inicio de "Cold in July", película dirigida por Jim Mickle que adapta la novela homónima de Joe R. Lansdale. Lo que sigue es el acoso al que se ven sometidos Richard y su familia por parte del padre del asesinado. Pero cuando parece que vamos a ver una película de acoso y supervivencia, la historia pega un volantazo y la cinta cambia de dirección bruscamente.

Es ésta una película un tanto extraña por unos cambios de tono que la impiden definirse completamente, pero que cuando acaba deja un buen sabor de boca. Y hay dos cosas a destacar claramente:
Primero, las interpretaciones de tres pedazo de actores: Michael C. Hall (conocido por las series A dos metros bajo tierra y Dexter), y los veteranos Sam Shepard y Don Johnson. Hall es el protagonista, omnipresente durante toda la película, y compone con gran solvencia un personaje muy diferente a los que había interpretado en televisión. Pero los que le dan empaque a esta producción son Shepard y Johnson, que con una presencia extraordinaria hacen que disfrutemos cada minuto que aparecen en pantalla.
Y segundo, la atmósfera ochentera. El vestuario, la ambientación, la música (esos sintetizadores), la trama y hasta los títulos de crédito hacen parecer que hemos visto una cinta de vídeo (también aparecen en la película) de aquella época. Esto puede ser un arma de doble filo, pero si a mí, que soy un gran detractor de esa década, me ha gustado, posiblemente los que adoran los ochenta lo agradecerán aún más.

Como puntos negativos, lo inverosímil de algunas situaciones (posiblemente sea más problema de la novela adaptada que del guión de la película) y el que la película no mantenga un tono uniforme pueden lastrar en parte su visionado. Pero si nos olvidamos de ello, podemos pasar un buen rato disfrutando de las interpretaciones de tres grandes actores y de una trama con sabor a buena novela negra.

Mi nota: 6,5