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29 de diciembre de 2015

EL DESAFÍO (Robert Zemeckis, 2015)

En 2008, el galardonado documental Man on wire nos dio a conocer la hazaña de Philippe Petit, un funambulista que se hizo famoso por colocar un cable entre las torres gemelas de Nueva York y pasear por él. Ahora, el ya veterano director Robert Zemeckis recrea la misma historia en El desafío (The walk) respetando muchos de los parámetros que ya marcaba el mencionado documental.

La película nos presenta al personaje de Petit desde sus inicios, siempre interesado en las artes escénicas y finalmente dedicado a caminar por delgados cables a variadas alturas. Es de agradecer que se trate la figura de Petit como un hombre de gran ego y capaz de cualquier cosa por conseguir lo que quiere. Aún así no me cabe duda de que el director ha dulcificado bastante el comportamiento del personaje, pero al menos no se le presenta como el típico héroe inmaculado. 

Para no aburrir al espectador, Zemeckis plantea el desarrollo del film como si fuera una película de atracos. La preparación del "golpe" es lo que anima el ritmo y consigue que nos mantegamos atentos hasta que llega su ejecución, aunque he de decir que toda esta parte terminó haciéndose un poco larga para mí. El desenlace es la auténtica razón de existir de "El desafío" y lo que hace que merezca la pena la entrada. Esos últimos minutos en los que el protagonista deambula por el cable en el punto más alto de las torres gemelas resultan tan emocionantes como peligrosos. Peligrosos porque, gracias al 3D, la sensación de vértigo puede ser grande para algunas personas, pero sin duda esta escena es lo mejor de la película. En mi caso, pude verla en 3D pero en una sala bastante pequeña y con una pantalla poco más grande que las que podemos encontrar en muchos pubs. Esto hace que el efecto disminuya, pero aún así reconozco que al principio impresiona.

Joseph Gordon-Levitt clava su personaje, dotándole de una personalidad tan marcada como su acento francés. La excusa para que los personajes hablen en inglés me parece un tanto ridícula ("hay que practicar para cuando estemos en América") pero ya sabemos que lo de mezclar idiomas no es muy del gusto del estadounidense medio. El resto del reparto está formado por rostros poco conocidos que en general cumplen bastante bien en su papel de comparsas. Hay que destacar a Ben Kingsley como mentor del protagonista, dando muestra una vez más de su gran presencia actoral.

Para contar una historia que yo creía que no daba para un largometraje, lo cierto es que Robert Zemeckis logra que pasemos un rato entretenido con las peripecias de este grupo de locos. Y, sobre todo, hay que ver "El desafío" en pantalla grande y, si es posible, en 3D, porque sus minutos finales constituyen toda una experiencia. 

Mi nota: 6

28 de diciembre de 2015

MACBETH (Justin Kurzel, 2015)

En pleno 2015, el director Justin Kurzel nos trae la adaptación de una de las obras más conocidas del bardo inglés William Shakespeare, Macbeth. Y lo hace con una producción que alterna el clasicismo de los maravillosos versos de esta tragedia con el uso en determinados momentos de las nuevas tecnologías para brindarnos unas secuencias espectaculares.

Afortunadamente, Kurzel ha huido de extravagantes tendencias como adaptar la historia a la época actual para mostrarse todo lo respetuoso que puede con la obra. Este Macbeth es eminentemente visual y puramente teatral. La tremenda plasticidad de las imágenes se apoya en unos parajes naturales majestuosos a los que el director de fotografía Adam Arkapaw (responsable de la fotografía de la temporada 1 de True Detective) logra dotar de un aire fantasmagórico que se adapta perfectamente a la historia. Pese al gran provecho de los decorados (tanto exteriores como interiores), el director sitúa la cámara muy cerca de los actores para capturar todos los matices de sus espléndidas declamaciones de los versos de Shakespeare. El diseño de vestuario también es magnífico y cuidado hasta el más mínimo detalle. Con todo esto tenemos algunos de los momentos más poderosos que hemos podido ver en este año.

Tal vez el problema venga con el ritmo de la película. Aunque empieza por todo lo alto, con unas secuencias de batalla a cámara superlenta de una belleza incuestionable, es cierto que el ritmo decae en varias ocasiones. No digo que esto le venga mal a una producción de este tipo, pero advierto que no estamos ante una película de digestión sencilla sino más bien de esas para degustar lentamente.

Todo el reparto está perfecto, comenzando por un imperial Michael Fassbender y una hipnótica y retorcida Marion Cotillard y terminando por secundarios con gran empaque como Paddy Considine, David Thewliss (al que vimos recientemente en Regresión) o Sean Harris (el villano de Misión Imposible: Nación Secreta). Lo cierto es que todos están espléndidos y no desentonan a la hora de recitar los versos de "Macbeth".

En definitiva, no puedo más que recomendar esta nueva versión de "Macbeth" que aporta grandes momentos, grandes interpretaciones y una historia y un texto para deleitar a los amantes de la literatura.

Mi nota: 8

26 de diciembre de 2015

CAZADOR DE SONRISAS ( Agustín Ferrer - Grafito Editorial)


Cazador de sonrisas es una obra creada íntegramente por Agustín Ferrer y que nos cuenta el día a día de Herbert F. Dunne, un dentista que trabaja en un tranquilo pueblo americano en plenos años 60, y que oculta un lado perverso que no tardaremos en descubrir.


Si hay algo que destaca en este cómic es la perfecta recreación gráfica del momento en que se ambienta la obra, alcanzando el dibujo un gran nivel de detalle y un alto realismo. El personal estilo de Agustín Ferrer resulta una delicia visualmente y componen uno de los grandes atractivos de este cómic. Los suaves colores pastel transmiten un cierto sentimiento de añoranza, tal vez por una época más feliz o tal vez por una mentalidad más inocente, en claro contraste con la oscuridad que se esconde tras la idílica fachada de los personajes.

El cómic posee un ritmo pausado que es necesario para una historia casi costumbrista, pero lejos de resultar aburrida, su lectura es muy absorbente y esa dicotomía entre la aparente normalidad en la vida de los personajes y la sordidez de algunos momentos constituye el gran reclamo de la historia que se nos propone. Tal vez, una vez que todas las cartas están sobre la mesa, puede intuirse el desenlace de la historia, pero no por ello deja de ser impactante en cierta medida al tiempo que invita a reflexionar.


La pequeña editorial Grafito, de la que ya reseñamos la divertida obra Chorizos, atraco a la española, apuesta por autores españoles y pequeñas historias como ésta que resulta francamente interesante tanto en el apartado visual como en su guión. Podéis encontrar la más que recomendable "Cazador de sonrisas" tanto en papel como en digital en la web de Grafito Editorial.

Mi nota: 7

22 de diciembre de 2015

STAR WARS EPISODIO VII: EL DESPERTAR DE LA FUERZA (J.J.Abrams, 2015)

Reconozco que, aunque me encanta la ciencia ficción, mi interés por la saga de Star Wars no alcanza ni de lejos el fanatismo que desde siempre ha arrastrado dicha serie de películas. Como la mayoría de mis coetáneos, ví la trilogía original de niño y me encantó. Volví a verla en cines cuando se reestrenó pero no soy de revisiones constantes. También acudí a ver la segunda trilogía, tal vez con más expectativas de las que tengo ahora, y me dejó bastante indiferente. Por eso, no sabía muy bien qué esperar de esta nueva entrega, y el tremendo hype que ha despertado en todo el mundo no lo era tanto para mí.

Sin embargo, puedo decir que Star Wars: el despertar de la Fuerza supone el auténtico regreso al espíritu original de este universo tan especial. Y es que J.J. Abrams ha optado por ofrecer al espectador justo lo que quería. Obviando todos los errores de la trilogía de los 2000, Abrams consigue retomar muchos de los elementos que convirtieron a "Star Wars" en un clásico. La trama huye de engranajes complicados para facilitar la entrada a la película a la gente más joven que no vio la trilogía original en su momento. Los personajes clásicos también vuelven, evidentemente mucho más envejecidos, pero, lejos de ser una presencia testimonial, se convierten en una parte crucial de la historia. Y, lo más importante, los personajes nuevos tienen carisma y entidad propia, e incluso los secundarios ayudan a que todo sea un magnífico entretenimiento. Está claro que J.J. Abrams no quería que se repitiera el temido "efecto Jar Jar Binks".
El ritmo de la película me parece sensacional, y una vez más se basa en las películas originales para repetir un esquema que ya entonces marcó un estilo y que casi 40 años después sigue funcionando como un reloj. Vale que el trasfondo está demasiado esquematizado y muy poco desarrollado, pero señores, esto es cine de evasión, no un documental político. Además, ya habrá tiempo en las sucesivas secuelas para ampliar este aspecto.

Técnicamente, pocos peros se pueden poner a una producción tan visualmente espectacular. La utilización de muchas maquetas y animatronics nos remiten a las películas antiguas, siendo el mayor logro esa vistosa mezcla de robot y balón de fútbol llamado BB-8 que se convierte en el robaplanos por excelencia de la película y que, aunque parezca un efecto digital, no lo es. Las localizaciones también tienen un encanto particular que se perdía totalmente en los abusivos cromas de la anterior trilogía. Paradójicamente, lo peor de los efectos especiales es todo aquello que está recreado digitalmente, comenzando por ese líder supremo que desentona totalmente con el resto de personajes. 
  
Inexplicablemente, están arreciando las críticas hacia el score de John Williams, críticas que no comparto en absoluto. En mi opinión, la partitura acompaña perfectamente a la acción en todo momento y es perfectamente reconocible como una obra de su legendario compositor. Cuando la música ha de ser divertida y funcional, lo es, y cuando se requiere un tono épico las notas se elevan para ofrecerlo. 

Pero sí que hay un par de puntos negativos destacables. El principal lo encuentro en los villanos, y en particular en ese Kylo Ren que sólo funciona hasta que se quita el casco y vemos que detrás de él se esconde un pardillo con cara de bobotonto que produce justo el efecto contrario al que debería. Para mí, Adam Driver es un tremendo error de casting o, al menos, de caracterización. De la misma manera, el Líder Supremo, personaje enteramente creado por ordenador, no termina de funcionar ya que su diseño parece demasiado convencional. Creo que falta mucha entidad por ese lado. 
Por otra parte, el guión también regala alguna que otra sobrada con la que hemos de comulgar, aunque tratándose de una película de este tipo tampoco molesta en exceso. 

Para los más veteranos, resulta emocionante volver a ver a los actores de la trilogía original interpretando nuevamente a los personajes que les dieron fama. Personalmente, no me esperaba que Harrison Ford tuviera tanto protagonismo, lo cual es una agradable sorpresa y toda una declaración de intenciones por parte del director. Ford y, en menor medida, Carrie Fisher están perfectos en sus papeles, pero tal vez sean los nuevos actores los que más brillan. La pareja Daisy Ridley-John Boyega supone un contrapunto perfecto para los actores más veteranos, consiguiendo aportar un brío y una frescura envidiables. No sólo consiguen crear unos personajes que son puro Star Wars, sino que nos dejan con muchas ganas de saber cómo evolucionarán en las películas posteriores. Tal vez Oscar Isaac quede un poco deslucido dado su poco protagonismo, aunque tiene pinta de que su presencia será importante en el futuro.

Bajo mi punto de vista, J.J. Abrams firma su mejor película y por fin consigue el punto justo entre homenajear a una saga desde el más puro cariño e interesar con una historia nueva que abre muchas posibilidades. Y sobre todo, creo que los niños de ahora por fin pueden disfrutar de algo similar a lo que vivimos nosotros con el nacimiento de la franquicia. Esta si que es una nueva esperanza para una nueva generación.

Mi nota: 8

21 de diciembre de 2015

EL FIN DE LA TELEVISIÓN EN GENBLOG.NET


Acabamos de publicar una nueva entrada en nuestra web amiga Genblog.net. Esta vez se trata de una breve reflexión sobre cómo las nuevas tecnologías están cambiando el modelo tradicional de la televisión tal y como lo conocíamos hasta ahora. 

Podéis leer el artículo completo aquí: El fin de la televisión.

14 de diciembre de 2015

VERSUS II: ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (Steven Spielberg, 1977)

Volvemos a nuestra sección Versus, en la que el Monolito enfrenta su opinión con la de un amigo invitado. En esta ocasión repite colaboración Gabriel Santiago (@gsantiagoc en Twitter) para hablar de un clasicazo del señor Spielberg, Encuentros en la Tercera Fase (Close Encounters of the Third Kind). Si alguien se anima a colaborar, podéis proponer una película contactándonos a través de nuestra página de Facebook o vía Twitter.


ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (por Gabriel Santiago)


Cuenta mi madre que teniendo yo 5 años paseábamos por Madrid y en Callao decidió que iríamos al cine. Es el primer recuerdo cinematográfico que tengo en mi mente, ver Encuentros en la Tercera Fase. Como comprenderán los recuerdos de esa sesión fueron disipándose en mi mente; hasta que la volví a ver varios años después, y parece que todo volvió a su lugar en mi cerebro; desde ese día mi relación con esta película se convirtió en especial y probablemente para toda la vida.

Dicho esto comprenderán que me es dificil ser objetivo al hablar de ella, añadiendo que es hecha por uno de mis directores fetiche. Pero estamos aquí para hablar de ella, a ver qué sale.

Si hay dos palabras con que puedo definir a esta pelicula son ingenua y romántica (en este momento se que querrás revisar si te has equivocado de análisis, no tranquilo seguimos hablando de una película de extraterrestres).

Ingenua, porque trata un tema que normalmente se asocia a la maldad que viene del cielo y quiere destruirnos, influenciados de manera permanente por la histeria colectiva generada por una narración malintencionada y genial de Orson Welles; una posible llegada de seres de otro planeta no podía generar otra cosa que nuestra destrucción y, en el mejor de los casos, nuestra invasión (ya quisiéramos); "Encuentros…" es una película casi infantil, sin ningún tipo de maldad, de hecho no hay ningún personaje en el que pueda recaer la condición del villano de la historia (solo un militar un poco cabezota, pero no cuenta); todos son buenos, todos se ponen de acuerdo por un mismo fin, los científicos son los que comandan la operación y para colmo, dejan que un francés los comande (¿puede haber algo más naif?) y desde luego nuestros visitantes también son buenos y bondadosos, se toman el trabajo de venir hasta aquí, a saber a cuántos años luz de distancia, para que aprendamos sobre su vida muy superior y darnos un aventón y con tour turístico incluido.

Romántica, porque es obvio que está hecha por una persona que no solo le gusta el tema sino que se lo cree; Steven Spielberg admite que en ese entonces el cree en el fenómeno OVNI y hace la película desde el deseo que ocurra; ahora dice que es un "business men" y que ya no espera que haya nada más allá de nosotros (pues a mi me molaba más el joven Steven).

La pelicula puede pecar de cierta falta de ritmo y sinceramente los comportamientos de ciertos personajes son muy forzados para que quepan en la historia, pero tiene escenas que ya han quedado para siempre en la memoria de cualquier amante del cine de ciencia ficción; además de tener la música de un genio como John Williams y la fotografía impecable de Vilmos Zsigmond.

Sería injusto decir que ha envejecido mal porque es lo que ocurre con las películas viejas con efectos especiales de maquetas...que se le ve el cartón (nunca mejor dicho); pero qué quieren que les diga, para mi tiene algo casi hipnótico; cada vez que la veo espero con ansias que suban el "Devil´s Tower" y que comience ese "primer día de escuela" como bien dice uno de los científicos al tratar de descifrar que nos quieren decir con esas 5 notas maravillosas, que estoy seguro que todos conocen pero que no todos asocien con la película.

Ya les dije, me cuesta hablar de una película que no solo está dentro de mi mente, sino de mi corazón...quizás porque como le pasa a Claude Lacombe (el jéfe francés interpretado por el reconocido director François Truffaut) yo también envidio a Roy Neary.


ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (por Dentro del Monolito)


Si no recuerdo mal, Encuentros en la tercera fase fue la primera película que alquilamos para estrenar nuestro primer vídeo VHS allá por 1980. Siendo yo muy niño apenas recuerdo nada de ese primer visionado pero sin duda algo quedaría grabado en mi subconsciente. Es por ello que supongo que la película de Steven Spielberg es una de las grandes culpables de mi afición a los temas ufológicos.

Tras muchos años sin verla resulta curioso recuperarla ahora, casi 40 años después de su estreno. El arrollador éxito de Tiburón (1975) hizo que Columbia Pictures hipotecara su futuro en las manos del joven Spielberg, otorgándole un amplio presupuesto y accediendo a todas las peticiones del director. Por fortuna acertaron, ya que la película se convirtió en otro taquillazo rotundo que confirmó a Spielberg como uno de los directores más rentables y solventes. Y eso que "Encuentros en la tercera fase" se estrenó el mismo año que La guerra de las galaxias (1977), logrando ambas revolucionar la ciencia ficción que se conocía hasta entonces. Pero mientras George Lucas abrazó el lado más fantástico del género, Spielberg perseguía contar historias lo más realistas posible, y de hecho introduce en la película un par de casos supuestamente auténticos (los aviones que desaparecieron y la escena de los controladores aéreos).

Vista hoy, "Encuentros en la tercera fase" no me parece una obra maestra pues presenta unos cuantos problemas de ritmo y da la sensación de tener un par de "tijeretazos" de más. Sin embargo, si la ponemos en su contexto temporal, entiendo el tremendo impacto de la película. Visualmente queda anticuada en nuestros tiempos, pero en su época el despliegue de efectos especiales debió ser brutal para los espectadores. Además, todos los efectos buscan realzar el "sentido de la maravilla" que Spielberg buscó en muchas de sus películas, y que aquí funcionan en tanto que convierten a los adultos que vemos en pantalla en auténticos niños que se quedan embobados ante una visión portentosa.
Hay un detalle que me llama mucho la atención y que no suele mencionarse cuando se habla de esta película. Steven Spielberg instauró en muchas de sus obras más conocidas el tema de la unidad familiar como algo primordial. Sin embargo, aquí somo testigos de cómo la familia del protagonista se va descomponiendo hasta que se rompe definitivamente sin remedio. Me resulta muy curioso ese cambio tan radical respecto a sus otras producciones.

Varias cosas me siguen gustando mucho tras esta revisión. La secuencia en la que "ellos" se llevan al niño me parece magnífica, y el propio Spielberg trasladó mucho de ella al guión de Poltergeist (1982). Por supuesto, el espectacular desenlace sigue siendo lo que queda en las retinas, aunque la aparición de los extraterrestres queda algo deslucida viéndola actualmente. La banda sonora de John Williams sigue impresionando, y las cinco notas musicales con que hombres y aliens se comunican quedarán para el recuerdo. Eso sí, al final del todo Williams introduce subrepticiamente las notas de When you wish upon a star que, en mi opinión, no pegan ni con cola.
Por otra parte, hay que destacar la intensa interpretación de Richard Dreyfuss, que refleja muy bien la bizarra obsesión de lo que debe ser un contactado OVNI.

Sea como sea, "Encuentros en la tercera fase" es un verdadero clásico cuya influencia en miles de películas posteriores queda fuera de toda duda. Sin resultarme totalmente redonda, considero su visionado obligatorio, así que tanto si no la habéis visto (no sé si quedará alguien) como si hace mucho tiempo que no lo hacéis, ahora es un momento tan bueno como cualquier otro para disfrutarla.

Mi nota: 7,5




10 de diciembre de 2015

KRAMPUS, MALDITA NAVIDAD (Michael Dougherty, 2015)

Una familia se prepara para celebrar la Navidad recibiendo a un grupo de familiares. El niño pequeño es humillado cuando sus primas leen durante la cena, y delante de todo el mundo, su carta a Santa Claus. La rabieta del niño le llevará a renegar de la Navidad, hecho que desencadenará fuerzas oscuras.

El cine, a lo largo de su historia, nos ha dado miles de ejemplos de historias con una premisa muy interesante pero mal desarrolladas. Si nos centramos en el género fantástico o de terror, el porcentaje todavía es mayor. Pues bien, Krampus, Maldita navidad viene a sumarse a esa interminable lista.

La idea tras esta producción, si bien no es muy original, sí que me parece bastante atractiva. La intención de introducir un elemento fantástico oscuro que aporte un toque de terror a una historia típica de navidad puede funcionar muy bien si se tienen las ideas claras. El mayor ejemplo de esto, y uno de los referentes de esta "Krampus", es Gremlins (1984), la obra maestra de Joe Dante.

El caso es que la película tiene un arranque prometedor, con unos títulos de crédito iniciales muy divertidos y gamberros que parecen anticipar algo que luego no se produce. El problema con "Krampus" es que, en mi opinión, no se ha tenido claro a quién iba dirigida la película. Y el resultado se queda en terreno de nadie. Creo que es una película que puede asustar a un público infantil, pero que sin duda dejará totalmente insatisfecho al público adulto.  Y es una pena, porque el propio director Michael Dougherty es el creador de Truco o trato (Trick'r Treat, 2007), película que compartía espíritu con "Krampus" pero que poseía un tono perverso mucho más marcado que la convertía en un producto más redondo.
El inicio es bueno, pero enseguida aparecen valles en el ritmo y, cuando llega la acción, todo se desmadra de manera absurda. Yo pensaba que iba a ver una película con monstruo, pero cuando empiezan a aparecer los diferentes "acólitos", te das cuenta de que la cosa se les va de las manos a los responsables. Para rematar, todas las escenas de acción están muy mal rodadas, y entre la oscuridad y el montaje rápido, apenas se ve nada.

Poco que decir del reparto, donde destacan los cada vez más prolíficos Adam Scott y Allison Tolman, aunque el rostro más conocido es el de la siempre correcta Toni Collette. Lo cierto es que casi todos los personajes resultan antipáticos, con lo que estás esperando que el Krampus acabe con ellos lo antes posible.

En fin, lo que prometía ser una divertida gamberrada con toques siniestros, finalmente se ha quedado en muy poquita cosa. Una pena.

Mi nota: 2

7 de diciembre de 2015

EL PLANETA DE LOS SIMIOS Vol. 2 (Daryl Gregory, Carlos Magno - Aleta)


Quién me iba a decir a mi que iba a estar tan enganchado a un universo que nunca me llamó la atención hasta que en el dueto formado por El origen del planeta de los simios (2012) y El amanecer del planeta de los simios (2014) logró cambiar mi percepción de "las películas de los monos". Por tanto, fueron estas dos magníficas producciones modernas las que hicieron que me interesara por el universo simiesco contado en viñetas, aunque con cierta cautela. Y se podría decir que, como ya hicieran las películas, los cómics también han conseguido sorprenderme enormemente.

Aleta nos trae el segundo volúmen que retoma la historia justo donde lo dejó el anterior. Si en ese primer tomo nos encontrábamos con un producto muy entretenido y sorprendentemente adulto, la continuación no sólo no defrauda, sino que en mi opinión sitúa el nivel un escalón más arriba. Lo que se nos ofrece es justo lo que prometía el tremendo cliffhanger con que concluía el volumen 1. El conflicto ha estallado, y las repercusiones son tan impredecibles como cruentas. El enfrentamiento entre simios y humanos es irreversible y, ahora más que nunca, las posturas de ambos parecen totalmente irreconciliables.


El ritmo del tebeo es una de sus mejores bazas, la trama avanza sin tregua y resulta tan entretenida que su lectura llega a ser adictiva. El guión de Daryl Gregory consigue que hasta en los momentos más pausados tengamos una sensación de tensión por lo que puede venir después. Y esa sensación es la que subyace siempre en las buenas historias bélicas, la impresión de algo que es inevitable pero al mismo tiempo impredecible. 
Tal vez no supe verlo en el primer volúmen, pero aquí es evidente la intención del guionista de utilizar el universo de "el planeta de los simios" para criticar una situación sociopolítica que bien podría extrapolarse a la realidad actual. Temas tan candentes como el terrorismo, la manipulación política y la obcecación de los gobernantes sumada al borreguismo de las masas, están cada vez más presentes en las páginas de este cómic.

El dibujo de Carlos Magno sigue la misma línea de excelencia que ya tenían los primeros números, con un nivel de detalle muy trabajado y minucioso, y un diseño de personajes magnífico. Me sigue asombrando lo bien que está dibujado el vestuario de los distintos personajes, siendo un auténtico festín visual por lo variado e imaginativo. También es una delicia ver a un montón de simios en una viñeta y fijarnos en las diferencias (ya sea de raza o simplemente de vestuario) entre ellos, haciendo a cada uno de los personajes reconocibles por sí mismos. Las escenas de batalla son espectaculares, y están perfectamente acompañadas por un gran uso del color.


Si consideramos la buena ciencia-ficción como aquella que utiliza recursos fantásticos o imaginativos para reflejar una realidad y hacernos reflexionar sobre ella, no cabe duda de que El planeta de los simios de Gregory y Magno es muy buena ciencia-ficción.
Mi recomendación es que no lo dejéis pasar. Aleta, ¡queremos más!

Mi nota: 9

Relacionado: El planeta de los simios vol. 1

5 de diciembre de 2015

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS (Steven Spielberg, 2015)

En los años de la guerra fría, al abogado James Donovan se le asigna la defensa de un espía soviético capturado en Estados Unidos. Pese a la pantomima que resulta el juicio, Donovan se empeña en aplicar todos los recursos posibles para defender a su cliente. Cuando todo parece haber concluido, la captura de un soldado americano en Berlín complicará la situación.

El puente de los espías supone el retorno a la dirección de uno de los grandes, Steven Spielberg. Aquí, el director toma un hecho real para recrear con maestría una época tan convulsa como llena de secretismo. Aunque la trama versa sobre los mecanismos de los servicios de espionaje, en realidad no estamos ante una película de espías, sino más bien ante un drama con un pequeño componente de thriller. Spielberg se muestra más sobrio que de costumbre, en una película de mucho diálogo y poca acción con regusto a un cine clásico. Pese a ello, "El puente de los espías" logra interesar sin resultar aburrida, aunque está claro que deberemos permanecer atentos a la trama en todo momento.

Lo mejor de la película es su cuidada ambientación, y es que la veteranía y experiencia de Spielberg se hacen notar sobremanera en este sentido. Todo el aspecto visual está sumamente cuidado para trasladarnos a esos primeros años 60 tan diferentes en Estados Unidos y Berlín. El ritmo de la película puede resultar algo lento, pero es el ritmo que la historia pide y necesita, así que no hay ninguna pega por esa parte.
Lo que sí podemos reprochar es la visión un tanto simplista de la realidad, y muy partidista a la hora de mostrar los comportamientos de los servicios de inteligencia americanos en contrapartida con los rusos y alemanes. Lo de siempre, los americanos son los buenos y el resto son muy malos. Especialmente sonrojante resulta la secuencia final, pero sabemos que Spielberg es bastante dado a estos momentos patrióticos.

Tom Hanks está francamente bien como protagonista, creando un personaje creíble y convincente. El poco conocido actor británico Mark Rylance da una gran réplica en su papel del espía capturado Rudolf Abel, y su parecido físico con el personaje real resulta asombroso. Entre la pléyade de actores secundarios, siempre es un gusto ver rostros como los del veterano Alan Alda.
Sorprende ver el nombre de Joel y Ethan Coen firmando el guión, ya que éste se aleja del estilo habitual de los hermanos en favor de una historia mucho más limpia y menos estrambótica. Por otra parte, la estupenda partitura creada por Thomas Newman también apuesta por el clasicismo al tiempo que puede resultar reconocible como música para una película de Spielberg.

Si obviamos la parte de "americanada", lo cierto es que "El puente de los espías" se revela como una película para disfrutar calmadamente, saboreando muchos de sus detalles y agradeciendo su clasicismo y falta de aspavientos. La historia es interesante, las actuaciones son buenas y la dirección de Spielberg es, como dice uno de los personajes de la película, la de un "hombre firme".

Mi nota: 7

1 de diciembre de 2015

AMENAZA EN LA SOMBRA (Nicolas Roeg, 1973)

Tras sufrir la traumática pérdida de su hija pequeña, el arquitecto John Baxter y su mujer Laura viajarán a Venecia para trabajar en la restauración de una iglesia. Allí se toparán con dos extrañas mujeres que aseguran poder contactar con la niña a la vez que avisan al matrimonio de un inminente peligro.

Los mecanismos del suspense, como los de cualquier género, son delicados y evolucionan con el paso del tiempo. Amenaza en la sombra (Don't look now) es una producción muy deudora de su época, un tiempo en que la construcción del suspense tenía otras formas, otro ritmo y otro sabor. Por eso, hay que contextualizar este tipo de películas a la hora de valorarlas.

El potente arranque nos agarra con fuerza y logra transmitirnos una alta dosis de inquietud y mal rollo. Pero en seguida la película cambia el paso, con un ritmo más lento y más extraño, con el que no es fácil conectar. En general, encuentro que "Amenaza en la sombra" es irregular en su desarrollo pero es innegable que posee unas cuantas secuencias que nos pillan por sorpresa tanto por su contenido como por la manera en que están rodadas. Son esos momentos los que quedarán en nuestra memoria y nos permitirán recordar a esta película como una buena muestra de los pasos que hay que seguir a la hora de rodar una cinta de suspense.

Como decía, hay algunas cosas que lastran el resultado final e impiden que la propuesta sea redonda. Ese ritmo inconstante hace que desconectemos durante las escenas menos trascendentes. La música, compuesta por Pino Donaggio, funciona sólo a ratos, habiendo momentos en que no termina de empastar bien con las imágenes, otorgándoles un raro efecto que chirría un poco.
Por contra, me gusta mucho cómo el director Nicolas Roeg retrata la ciudad de Venecia, que se convierte en un personaje más en la trama. Aquí vemos una ciudad sucia, medio ruinosa, llena de rincones oscuros y callejones siniestros, vamos, en las antípodas de la imagen idílica y ampulosa a la que estamos acostumbrados. Además, el tono surrealista y casi onírico de algunas secuencias me parece sublime y las acerca a un estilo más propio del giallo.
Y por supuesto, está el impactante y bizarro final. Como dato friki, el genial guionista de cómics Alan Moore contó el final de "Amenaza en la sombra" en boca de un personaje en el número 20 USA de La Cosa del pantano, justo para enfatizar un momento importante dentro del mismo cómic.

La pareja protagonista está interpretada por dos grandes como Donald Sutherland y Julie Christie. Ambos se muestran convincentes en sus papeles, y una vez más queda demostrada la solvencia de Sutherland en productos de atmósferas extrañas en los cuales su particular rostro encaja al dedillo. La larga escena de sexo que ambos comparten fue muy polémica en su momento debido a su gran realismo, lo que llevó a mucha gente a pensar que el coito era real, circunstancia esta negada en varias ocasiones por los propios actores.
Destacable también es la presencia de las dos inquietantes mujeres psíquicas, perfectamente interpretadas por Hilary Mason y Clelia Matania.

Nicolas Roeg firma su película más destacable con "Amenaza en la sombra", logrando imprimir un estilo propio que a la postre resultó bastante influyente para gente como el mismísmo David Lynch. No cabe duda de que, pese a sus defectos, la película posee una atmósfera muy especial y que sabe vertebrarse en torno a unos cuantos momentos en los que el director da toda una lección de cómo rodar para transmitir un auténtico suspense. Sinceramente tenía intención de ponerle una nota más baja, pero tras un par de días sus imágenes siguen en mi cabeza, así que...

Mi nota: 7


28 de noviembre de 2015

FOUND FOOTAGE II EN GENBLOG.NET


Segunda parte de la serie de artículos que dedicamos al found footage en Genblog. En esta ocasión le dedicamos todo el texto a Paranormal Activity, repasando todas las películas de la saga y destacando su tremenda influencia en el género.

Podéis leer el artículo completo aquí: Found Footage II: Comienza la actividad.

¡Que lo disfrutéis!

27 de noviembre de 2015

THE LAST CALL 1 & 2 (Vasilis Lolos - Oni Press)



Sam y Alec, dos adolescentes que hacen una pequeña escapada nocturna, son de pronto abducidos y transportados a un lugar desconocido. A partir de ese momento, todo lo que les suceda irá adquiriendo un tono cada vez más extraño.

Lo primero que llama la atención sobre los dos volúmenes publicados hasta el momento de The Last Call es el reducido tamaño de su edición, casi de bolsillo. Esto, que a priori puede parecer una desventaja, en realidad es perfectamente entendible dada la clara influencia del manga en la obra. La historia que nos cuenta el griego Vasilis Lolos es, ante todo, sumamente original en todos sus elementos. Elementos que beben de múltiples fuentes, lo que convierte a esta obra en una estimulante amalgama que mezcla ciencia-ficción, terror, misterio, policíaco, humor, aventuras, y mucho surrealismo. El ritmo es muy bueno, y el guión consigue engancharnos proponiendo un misterio de difícil explicación. El lector asiste, entre perplejo y maravillado, a un desfile de situaciones rocambolescas y personajes grotescos y extravagantes. 


El primer volumen sorprende y resulta un producto bastante fresco, llamativo y cautivador tanto en guión como en dibujo. El problema viene en el segundo tomo, donde todas esas sensaciones se van perdiendo poco a poco, ya que el desarrollo de la trama empieza a irse por las ramas y a introducir situaciones que no parecen ir a ningún lado. Tal vez se puede explicar esto viendo que han pasado 6 años entre la publicación de ambos tomos.

El estilo de dibujo de Vasilis Lolos es muy llamativo, con un trazo muy manga y momentos puramente cartoon. "The Last Call" carece de color, cosa que el autor aprovecha muy bien, sobre todo en el primer volúmen, para crear ambientes tenebrosos con un gran uso del negro y el gris. Además, el diseño de personajes es brutal, muy detallista y tremendamente imaginativo. Ningún pero en este sentido.


Tras el impacto inicial, la sensación final tras leer los dos volúmenes es la de una historia alocada y muy surrealista que llega a resultar demasiado incomprensible. Este tipo de historias cuajan mucho mejor cuando no se alargan tanto, porque la premisa es muy original pero para desarrollarla el autor mete mucha paja que no va a ninguna parte. Hace poco reseñábamos Los Wrenchies, una obra también plagada de momentos raros pero en la que nos dábamos cuenta de que había un trasfondo oculto tras todo ello. Aquí eso no pasa y la sensación que deja es la de ir añadiendo situaciones bizarras sin una justificación adecuada. Aún así, recomiendo el primer volúmen y, si os gusta, tal vez podáis disfrutar de la continuación un poco más que un servidor.

Mi nota: 6

26 de noviembre de 2015

BITCH PLANET vol. 1 (DeConnick, De Landro - Image)


En un futuro indeterminado, las mujeres que no cumplen las normas sociales establecidas son enviadas a un planeta-prisión a cumplir condena. Allí, a un grupo de reclusas se le ofrecerá la oportunidad de ganar su libertad tomando parte en una competición deportiva.

Esta es la interesante premisa de Bitch Planet, serie creada por Kelly Sue DeConnick y Valentine De Landro para Image Comics. Estamos ante una historia que plantea un futuro distópico que puede recordarnos a algunas obras clásicas de la ciencia ficción. La carga de crítica social es muy elevada en "Bitch Planet", y se sostiene gracias a un fino humor negro que se manifiesta sobre todo en la última página de cada número, utilizada a modo de tablón de anuncios donde vemos una serie de mensajes publicitarios muy irónicos. Hay que decir que, aunque el mensaje que subyace en la obra tiende aparentemente hacia planteamientos un tanto feministas, en realidad el guión de DeConnick reparte para ambos sexos. Eso sí, siendo una historia con mujeres como protagonistas, está claro quién recibe la peor parte.
También es evidente la influencia de las películas exploitation del subgénero "mujeres encarceladas", cosa que queda patente, además de en unas secuencias típicas del género, en unas portadas muy setenteras.


Formalmente la obra nos remite a cómics de otras épocas, y no sé por qué me trae a la cabeza el nombre de Frank Miller. El dibujo de Valentine De Landro es muy funcional, pudiendo recordar al estilo que Charlie Adlard utiliza en The Walking Dead. Aunque no es un dibujo espectacular, la verdad es que funciona bien dentro de una historia muy de serie B. Hay que decir que el número 3 está dibujado por otro artista, Robert Wilson IV, que utiliza un estilo muy en la línea de De Landro. El color, obra de Cris Peters, también ahonda en un estilo retro, utilizando a menudo el recurso de los puntitos con que antaño se coloreaban los cómics.


De momento este primer tomo se revela como una interesante propuesta de ciencia ficción con elementos muy clásicos y con cierto espíritu de serie B. Habrá que ver cómo evoluciona, pero mientras todo no se vaya encaminando hacia un feminismo mal entendido, vamos bien.

Mi nota: 7

23 de noviembre de 2015

EL CLAN (Pablo Trapero, 2015)

El Clan es un decente thriller dramático argentino que nos cuenta una historia real, la de la familia Puccio, que se dedicó durante varios años a secuestrar e incluso asesinar a individuos con el fin de extorsionar a familias adineradas. Al tratarse de un caso auténtico, mi recomendación es no buscar información sobre ello para evitar spoilers en la medida de lo posible.

Si hay algo que sustente la película, es la portentosa interpretación de Guillermo Francella, que compone un personaje aterrador por la frialdad y la determinación que rigen sus actos. La presencia del actor es gigantesca, y su inquietante mirada logra estremecer haciendo de este patriarca del clan un personaje para recordar. Sólo por esta interpretación merece la pena el precio de la entrada. El resto del reparto está bastante bien, con excepción de Peter Lanzani, que interpreta el otro papel principal de una manera muy sosa, y que en ningún momento logra dar una réplica interpretativa convincente.

La dirección de Pablo Trapero es bastante apañada, y logra transmitir con bastante credibilidad lo que debió ser el día a día de los Puccio. El ritmo es bueno, y Trapero logra mantenernos interesados durante todo el metraje. Curiosa me resulta la elección de una banda sonora de estilo tarantiniano, con canciones que suenan en los momentos más destacables de la cinta. Aquí Trapero demuestra que no es Tarantino y, aunque algunos temas son acertados (ese Sunny Afternoon de los Kinks), la elección de otras canciones resulta algo desconcertante.

Creo que El Clan, sin ser una obra maestra, resulta en general una película bastante recomendable, de esas que te dejan con ganas de conocer más sobre el caso real que inspiró el filme. Por tanto, creo que logra su objetivo con creces.

Mi nota: 7

18 de noviembre de 2015

OUTER GOD (Luc Labelle, Daryl Toh)


Outer God es una novela gráfica creada por el guionista Luc Labelle y el dibujante Daryl Toh que podríamos englobar dentro del género de terror psicológico.
La trama versa sobre el descubrimiento de una pirámide en Egipto por parte de un equipo multidisciplinar. La historia se nos cuenta en principio de manera retrospectiva, ya que comienza con la novia de uno de los miembros del equipo recibiendo el diario de su chico en el que narra lo que han encontrado y las consecuencias de ello. El guión de Labelle introduce elementos de inspiración claramente lovecraftiana, al tiempo que nos cuenta la historia de un modo no lineal, con constantes saltos temporales. El ritmo es bastante bueno durante la mayor parte de la obra, pero durante el desenlace los continuos saltos entre distintas líneas temporales pueden llegar a confundirnos.


El arte de Daryl Toh entra muy bien por los ojos y, pese a su estilo juvenil, no encaja mal en una historia que es inequivocamente adulta. Tal vez ello le añade un mayor impacto a las escenas más visualmente truculentas. Además, el genial tratamiento del color añade un extra y le da un aspecto muy llamativo a la obra además de lograr trasmitir cierta sensación de opresión o agobio en las escenas que transcurren dentro de la pirámide.


Aunque la historia engancha desde el principio, finalmente se ve muy lastrada por un desenlace un tanto abstracto que deriva hacia una extraña alegoría sobre las relaciones de pareja, y que a mí no me termina de convencer. Tal vez no he llegado a comprender la dimensión completa de lo que nos quiere contar Labelle, pero toda la parte de las diferentes líneas temporales o incluso de realidades alternativas me ha resultado bastante confusa. Aún así, se lee muy rápido y tiene algunos momentos que funcionan bien.
Si estáis interesados, podéis conseguir este cómic (en inglés, eso sí) en Luc Labelle Comics o en Comixology.

Mi nota: 6

16 de noviembre de 2015

SICARIO (Denis Villeneuve, 2015)

Película muy alabada por la crítica pero que me resultado totalmente decepcionante. Tenemos en Sicario una historia de lucha encubierta contra el narcotráfico en el trasfondo de los cárteles mexicanos y Ciudad Juárez. El director Denis Villeneuve, tras la estupenda Prisioneros (2013) y la extraña Enemy (2013) no ha sabido aprovechar una trama con muchas aristas a la que se podía haber sacado mucha chicha.

La película se apoya en un par de escenas impactantes, pero durante el resto se olvida de conectar con el espectador y se hace muy aburrida. El ritmo es fundamentalmente lento, lo cual no tiene por qué ser malo, pero para una historia de estas características su efecto casi inmediato es la pérdida de interés. Pese al gran potencial que tiene todo en "Sicario", Villeneuve no consigue darle a la película la entidad necesaria. Por ejemplo, la profundidad de los personajes de "Prisioneros" era muy superior a lo que encontramos en "Sicario". Y hay un par de elementos que cantan mucho. ****SPOILER****Encuentro muy oportunista la inclusión del personaje del policía mexicano desayunando con su familia sólo para que nos de pena cuando se lo cargan.****FIN DEL SPOILER****
Especialmente flagrante es la manera en que se desperdicia el recurso de las cámaras de visión nocturna, dando como resultado una secuencia insulsa y carente de ritmo. Y eso que se suponía que "Sicario" era una intensa película de acción.

Estando tras las cámaras el señor Villeneuve (elegido para rodar la secuela de Blade Runner) esperaba mucho más, la verdad. No le doy una puntuación más baja porque los actores están bastante bien, en especial Benicio del Toro y Emily Blunt. Reconozco que no he conseguido entrar en la película en ningún momento, pero me gustaría saber vuestra opinión si os animáis a verla.

Mi nota: 3

13 de noviembre de 2015

HOLOCAUSTO CANÍBAL (Ruggero Deodato, 1980)

El antropólogo Harold Monroe investiga la desaparición de un grupo de documentalistas en la selva amazónica. Para ello, se trasladará a los mismos lugares que visitaron y encontrará unas bobinas de película que desvelarán el destino que sufrieron.

Hace años, uno podía entrar en aquellos santuarios sagrados llamados videoclubs y perderse en un sinfín de carátulas que generalmente prometían mucho más de lo que realmente daban. Entre todas ellas, siempre me llamó la atención la portada de Holocausto Caníbal por la impactante imagen (a veces cruzada por una banda que rezaba "censurado") de una mujer empalada. La crudeza y sordidez que avanzaba dicha carátula la convirtió para mí (y supongo que para mucha gente) en una cinta tan prohibida como atrayente. El caso es que pasaron los años, e incluso las décadas, sin que se me presentara la ocasión propicia para verla. Hasta ahora.

Lo cierto es que la película, aún en pleno 2015, me ha sorprendido en varios sentidos. Lo que más me ha llamado la atención es la innovadora (para la época) estructura narrativa que utiliza Ruggero Deodato, intercalando secuencias rodadas de modo convencional con otras de "metraje encontrado". De hecho, muchos citan a "Holocausto Caníbal" como el primer found footage, afirmación con la que no estoy del todo de acuerdo ya que, como digo, gran parte de la película está rodada de la manera habitual. Sea como sea, la narración funciona francamente bien y el director logra que nuestro interés vaya en aumento.
Sin duda lo más controvertido de "Holocausto Caníbal" es la tremenda visceralidad de que hace gala la obra. El grado de violencia explícita es muy alto, incluso para la época actual. El formato de rodaje, al introducir muchas imágenes de cámara en mano, logra una mayor implicación por parte del espectador que se ve irremediablemente en medio de una espiral de virulencia cada vez mayor. En este sentido, la película cumple con su objetivo de impactar y quedar grabada en nuestras retinas. Buscando el mayor realismo, Deodato introduce con descaro imágenes reales de animales salvajes sacadas de documentales. Se nota mucho, pero dentro de lo cutre que resulta no está del todo mal utilizado.

Harina de otro costal es el asesinato a sangre fría de unos cuantos animales por parte de los actores. El director no se corta a la hora de mostrar cómo se apuñala a una rata almizclera o se decapita a una tortuga gigante para desmembrarla posteriormente. Estas secuencias levantaron la ira de muchas asociaciones ecologistas en su momento, pero la falta de una legislación en contra del maltrato animal en Italia hizo que la cosa quedara en nada. Ni que decir tiene que las imágenes fueron censuradas en los montajes finales de muchos países, llegando a colocar a la película por méritos propios en la famosa lista de "Video Nasties" del Reino Unido. En mi opinión, estas secuencias sólo buscan la provocación gratuita y sin duda se las podrían haber ahorrado. Lamentablemente, no se trata de un ejemplo aislado a la hora de mostrar violencia contra animales, ya que unas cuantas producciones más de la época se aprovecharon de ese vacío legal para incluir este tipo de escenas execrables.
La otra gran controversia se basa en las supuestas muertes reales de los actores a manos de los indígenas. Pese a que el asunto quedó más que aclarado cuando Ruggero Deodato apareció en televisión acompañado del reparto al completo, actualmente todavía hay gente que duda sobre la veracidad de las imágenes. Viendo la película hoy día, esta polémica parece absurda.

Técnicamente la cinta resulta pobre y se nota el bajo presupuesto, pero los pocos efectos especiales que hay están muy bien hechos, en especial el del empalamiento, que ha quedado como una imagen icónica. La pegadiza música de Riz Ortolani no termina de empastar demasiado bien con las imágenes, aunque es cierto que aporta un extraño efecto hipnótico. Del reparto no hay mucho que decir, la mayoría de los actores que participaron en el film apenas tenían experiencia y, los que la tenían, nunca despuntaron en nada importante. Tal vez el caso más peculiar es el del protagonista Robert Kerman, procedente del cine porno y que terminó apareciendo en el Spiderman de Sam Raimi.

A pesar de los años transcurridos desde su estreno, lo cierto es que la película sigue teniendo un alto grado de impacto. Aunque el comportamiento de los personajes resulta totalmente injustificado, lo salvaje de sus actos sigue dando muy mal rollo. Eso sí, no sé si el supuesto mensaje de "el hombre civilizado es el auténtico salvaje" queda bien expuesto, ya que a veces es demasiado evidente pero en otras ocasiones resulta casi surrealista.
Apartando el tema del maltrato animal, "Holocausto Caníbal" sigue impresionado por su crudeza. En algunos aspectos puede haber quedado anticuada, pero si hoy día sigue funcionando, entiendo que en su momento el efecto que causó tuvo que ser brutal. Si queda alguien que no la haya visto, y tiene el estómago curtido, recomiendo el visionado de la versión que no incluye las desagradables muertes de animales, aunque sea para entender el gran impacto de este tipo de películas.

Mi nota: 6


7 de noviembre de 2015

SPECTRE (Sam Mendes, 2015)

Últimamente estamos asistiendo a una especie de revival del cine de espías en muchas de sus vertientes. En este mismo blog hemos podido analizar películas como Kingsman, Misión Imposible: Nación Secreta, u Operación U.N.C.L.E., todas ellas producidas en este 2015. Pero también han poblado la cartelera otras cintas como la española Anacleto: Agente secreto, la comedia Espías o la todavía por estrenar El puente de los espías. A esta avalancha de títulos hay que sumar la nueva entrega del agente secreto más famoso de todos los tiempos, James Bond, que regresa con esta Spectre.

Lo primero que hay que decir es que "Spectre" comienza de manera espectacular, con un plano secuencia rodado en México en plena celebración del día de los muertos. Tras este memorable arranque llegan los clásicos títulos de crédito con la canción de turno (esta vez a cargo de Sam Smith), y a partir de aquí podríamos decir que la película cumple con casi todos los estándares de la saga Bond incorporando todos los elementos más conocidos.
Tal vez las mayores diferencias con anteriores películas de la saga sean dos. Primero, una notable ausencia de sentido del humor. Aquí he de confesar que no he visto Skyfall (2012), pero sí que leí que el tono que imprimía Sam Mendes era mucho más serio de lo habitual. En "Spectre" también se busca la solemnidad y se relega el humor a momentos muy puntuales, siendo además unos chascarrillos muy obvios y poco trabajados. En este sentido, la película se hace mucho menos entretenida que las citadas "Misión Imposible: Nación secreta" y "Operación U.N.C.L.E.". Entiendo que Mendes le quiera dar nuevos aires a la franquicia buscando una mayor seriedad, pero no estoy seguro de que al personaje creado por Ian Fleming le siente bien la falta de humor.
El otro elemento diferenciador podría ser el villano. Aquí se nos introduce a un personaje misterioso que trabaja en las sombras y que aparenta tener una entidad mucho mayor de lo acostumbrado. La presentación de este villano está bastante lograda, e incluso se le vislumbran muchas semejanzas con el Adrian Veidt de Watchmen, pero según avanza la película vemos como su relevancia se va desinflando hasta quedar retratado como otro megalómano desequilibrado random. Es este uno de los mayores fracasos de "Spectre", ya que se desaprovechan totalmente unos magníficos mimbres para habernos regalado un villano memorable.

El ritmo de la película es bastante bueno, y aunque hay algún que otro valle lo cierto es que no nos aburrimos a pesar de los más de 140 minutos de metraje. Por cierto que, aunque la trama se puede seguir sin necesidad de haber visto las películas anteriores, se hacen unas cuantas referencias a hechos ocurridos en ellas y que pueden ser considerados como spoilers. Las escenas de acción están bien resueltas aunque no resultan tan impactantes como las que ofrecía la película de Tom Cruise. Dos de los aspectos más destacados son la fotografía (como es de rigor, nuestro agente favorito visita un puñado de espectaculares rincones desperdigados por el mundo) y el sensacional score creado por Thomas Newman.

El numeroso reparto está encabezado por el impertérrito Daniel Craig (lo siento, pero no me convence como Bond) y el poco aprovechado Christoph Waltz. Junto a ellos, la guapa Léa Seydoux, cuya química con Daniel Craig tampoco me parece muy lograda, Ralph Fiennes (que está muy viejo pero tiene una gran presencia), un sorprendente Dave Bautista (luchador de wrestling al que pudimos ver en Guardianes de la galaxia (2014)), y una Monica Bellucci que apenas tiene una presencia testimonial.

No soy un gran seguidor de la saga de James Bond, pero reconozco que debe ser muy complicado reinventarse continuamente a la vez que se respetan los signos característicos de un personaje tan arraigado en la cultura popular. Para mí, el mérito de "Spectre" radica en seguir resultando lo suficientemente atractiva para el público general como para no aburrir, y eso lo consigue gracias a la buena labor de Sam Mendes. Sin embargo, creo que se queda un par de puntos por debajo de "Misión Imposible: Nación Secreta" que resultaba mucho más redonda.

Mi nota: 6




6 de noviembre de 2015

SOUTHERN BASTARDS vol. 1 (Jason Aaron, Jason Latour - Image)


Southern Bastards es una serie original creada por el guionista Jason Aaron y el dibujante Jason Latour para el sello Image, y que parece que será publicada proximamente en nuestro país.
La trama de este primer volúmen sigue a Earl Tubb, un hombre mayor que regresa a Craw County, su pueblo natal, después de 40 años sin pisarlo para poner en venta la vieja casa donde creció. Pese a las décadas transcurridas, Earl no pasará desapercibido y finalmente se verá arrastrado irremisiblemente por la aparición de antiguos fantasmas y por la violenta decadencia que impera en el lugar.
La vida en Craw County gira alrededor de su equipo de fútbol americano y su entrenador, que parece ser una especie de dios en el pueblo. Sus habitantes son gente cuya manera de hablar denota su poca cultura y su pobreza. El contrapunto es el personaje de Earl Tubb, un hombre que huyó de ese entorno y que intenta siempre hacer lo correcto sin pensar demasiado en las consecuencias. Así pues, el conflicto está servido.


Tanto Aaron como Latour son originarios de poblaciones de ese profundo sur americano, y por lo tanto conocen perfectamente ese ambiente tan rural, analfabeto y salvaje en el que poca gente es bienvenida. La crudeza y el realismo son la nota imperante en todo este arco argumental, con una creciente espiral de tensión y virulencia que sabemos que no puede acabar bien. El tono es una mezcla de novela negra y drama rural que funciona sorprendentemente bien. Sólo hay un hecho un tanto "fantástico" que puede romper con la credibilidad de la historia pero que en mi opinión resulta altamente gozoso por su significado.

El arte sucio y feísta de Jason Latour, que en cierta medida me recuerda al estilo de dibujo de Jeff Lemire, le da al cómic la estética perfecta y consigue trasladarnos a esos lugares del hondo sur de los Estados Unidos. Mención especial para esas páginas diseñadas en forma de una gran cuadrícula de viñetas sin texto en la que las imágenes hablan por sí solas para dejarnos con el corazón en un puño.


"Southern Bastards" se está ganando por derecho propio un gran prestigio en la industria y poco a poco se está convirtiendo en una de las series más destacadas del panorama actual. Yo no puedo más que estar de acuerdo con esta corriente ya que confluyen una serie de elementos que logran un conjunto casi perfecto. "Southern Bastards" habla de las raíces de las personas, de tomar decisiones y afrontar sus consecuencias, y de cómo podemos toparnos con lo más descarnado y cruel de nuestra naturaleza. Además, pocos desenlaces hay más perfectos que el final de este volúmen, ya que consigue sorprendernos y preocuparnos por la repercusión de lo que nos sugiere la última viñeta. Así que, si tenéis ocasión de leer este cómic, no lo dudéis.

Mi nota: 9

31 de octubre de 2015

THE POSSESSION OF MICHAEL KING (David Jung, 2014)

The possession of Michael king es una curiosa producción rodada con cuatro duros que nos cuenta una historia que hemos visto mil veces en otras películas pero bajo un prisma algo novedoso. La trama gira en torno a un padre que queda viudo con una hija pequeña, y que a raíz de perder a su mujer comienza una cruzada contra los médiums intentando demostrar por todos los medios la inexistencia de la vida después de la muerte.

La cinta nos muestra la acción intercalando tramos rodados de manera convencional con otros tipo found footage que recogen imágenes grabadas por diferentes videocámaras. Personalmente no soy muy partidario de estas mezclas ya que creo que al final este tipo de productos siempre se queda a medias, pero lo cierto es que aquí no está del todo mal implementado. Me suelen irritar las películas que abusan de los efectismos y, aunque en "The possession of Michael King" al principio se abusa del susto fácil a base de golpes de sonido, lo cierto es que hay unos cuantos que están muy bien utilizados y que ayudan a que poco a poco nos vaya entrando el canguelo en el cuerpo. Lo más destacable en este sentido es la utilización de las voces que oye el protagonista o que directamente salen de su garganta. Para mí, el mejor momento de la cinta involucra estos elementos.

Como sucedía en Afflicted (2013), con la que esta película guarda muchos puntos en común, el proceso de transformación que sufre el protagonista está retratado de manera bastante satisfactoria. Desde muy pronto se nos hace partícipes de esos cambios graduales que podríamos comparar con un auténtico descenso a la locura o el desarrollo de una enfermedad mental grave. Esto no sería convincente sin una actuación a la altura, y en este caso todo el peso de la función recae en el poco conocido actor Shane Johnson, que realiza un trabajo más que decente y que va creciendo según avanza la película.
Dirige el cotarro con bastante corrección el debutante David Jung, que también hace las veces de guionista.

Como aspectos negativos, hay que decir que la película tarda en arrancar y que en muchos aspectos se nota lo barato de su producción. Además, el desenlace es altamente previsible y poco arriesgado. Resumiendo, tenemos una decente película de posesión que intenta enfocar el tema desde un punto de vista más original de lo habitual y que consigue algunos momentos que nos causarán escalofríos. Por contra, su visionado no deja una impronta imborrable ni mucho menos. Aprobada sin más.

Mi nota: 5,5 

30 de octubre de 2015

THE UNKNOWN (Mark Waid, Minck Oosterveer - Aleta)


Catherine Allingham, investigadora privada y una de las mentes más brillantes del planeta, se ve envuelta en la desaparición de un artefacto que puede desvelar uno de los grandes misterios de la humanidad: ¿existe algo después de la muerte?

The Unknown es una entretenida obra en la que el famoso guionista Mark Waid engloba elementos muy diferentes entre sí para crear una historia cohesionada. Si hubiese que definirla dentro de un género, tal vez sería el del thriller sobrenatural, aunque también tiene mucho de historia detectivesca. En forma y, en menor medida, en fondo, estamos ante un cómic como los que se hacían en los años 70-80 en el sentido en que va directo al grano para ofrecer una historia de lectura ligera y sin complicaciones, lo cual es de agradecer en estos tiempos en que proliferan obras más sesudas. En ese aspecto, es muy agradable volver a sentir lo que los cómics nos daban por aquel entonces, lejos de las complicaciones de universos compartidos o reinvenciones de géneros. 

Podría decirse que la mayor virtud de "The Unknown" es también su peor defecto, y se trata de un ritmo trepidante que apenas da tregua al lector y que nos engancha con fuerza a su historia. El problema es que se nos cuentan demasiadas cosas, sin que el guión tenga tiempo para detenerse en explicar nada minuciosamente y sin poder ofrecer un mayor estudio psicológico de los personajes. Personajes, por cierto, bastante carismáticos. Sobre todo la voluptuosa Catherine Allingham, que supone un poderoso personaje femenino que, además, arrastra consigo una terrible espada de damocles en forma de tumor cerebral. Esto lo aprovecha muy bien Mark Waid para brindarnos algunos de los momentos más ambiguos y a la vez siniestros de la obra.


El guión de Waid busca la sencillez pero cierto es que presenta alguna que otra trampa en forma de resoluciones demasiado forzadas con las que hemos de comulgar sin darle muchas vueltas para poder disfrutar del cómic.
Uno de los aspectos positivos más originales  es la inclusión de varios guiños al mundillo de lo paranormal. Cualquier persona interesada en las teorías de lo sobrenatural, agradecerá de buena gana algunas de las menciones que introduce Waid y que remiten a la parapsicología más clásica.

El arte corre a cargo del malogrado dibujante holandés Minck Oosterveer (tristemente fallecido en un accidente de moto), cuyo trazo clásico con un cierto aire pulp ayuda mucho a dar esa sensación de que estamos ante una obra con varias décadas. Puede que este dibujo le chirríe a lectores modernos, pero a los que empezamos a peinar canas (o a los que nos queda poco que peinar) nos puede traer buenos recuerdos.


La edición en formato rústica que nos ofrece Aleta es muy llamativa gracias a la espectacular portada de Eric Jones, y se completa con un prólogo de la guionista Gail Simone y una bonita galería de portadas alternativas. Sus 112 páginas abarcan los 4 primeros números de la serie que componen un arco autoconclusivo.
En definitiva, "The Unknown" propone un divertido juego detectivesco con tintes sobrenaturales que se lee en un santiamén, y en el que destaca un personaje central con bastante peso específico. Pese a ser una obra menor, nos retrotrae a la plácida época en la que leer un cómic era, simplemente, pasar un buen rato con una historia sencilla pero estimulante.

Mi nota: 6,5



26 de octubre de 2015

SPREAD vol. 1 (Justin Jordan, Kyle Strahm - Image)


El mundo se ha ido al carajo. Una especie de masa pútrida devora todo lo que tiene a su alcance, y son pocos los que logran sobrevivir. Un hombre llamado No deambula por los parajes yermos, siempre en guardia. Por pura casualidad, se topará con una mujer que intenta proteger a un bebé.

Tal es la premisa de Spread, serie del guionista Justin Jordan y el dibujante Kyle Strahm para el sello Image. Podríamos definir a "Spread" como una curiosa mezcla de El lobo solitario y su cachorro y The Walking dead. De la primera toma a un protagonista parco en palabras pero sumamente expeditivo y a un bebé que esconde mucho más de lo que aparenta. De la segunda toma un decorado y una trama similar, sólo que sustituyendo la amenaza de los muertos vivientes por un extraño ecosistema vivo y destructivo que arrasa con lo que se le ponga por delante.


Sin embargo, aquí no hay rastro de la trascendencia o seriedad de las que hace gala "The Walking dead". Y es que el tono de la serie es bastante ligero, yendo directamente al grano sin dar explicaciones. El guión de Justin Jordan no se detiene a contarnos prácticamente nada del origen de la amenaza, al menos en este primer volúmen, lo que le permite imprimir un ritmo muy dinámico a estos seis primeros números. Como cuenta Kyle Strahm en el prólogo, la intención de los autores era la de crear una historia de horror como las que podíamos ver en las películas de género de los años 80, sin cortarse a la hora de mostrar sangre, vísceras o criaturas repugnantes. El resultado es uno de los cómics más salvajes, asquerosos y con más sangre por página de los que he podido leer. Y lo digo como algo positivo. La culpa de ello es del increíble dibujo de Kyle Strahm que, aunque se muestra normalito en el diseño de personajes, alcanza todo su esplendor cuando dibuja a esas criaturas infecciosas que pululan por el mundo que se nos plantea. Strahm no tiene cortapisas a la hora de mostrar deformidades, orificios purulentos, enormes bocas supurantes y millones de bultos sanguinolentos. Todo un festín visual de lo horrendo que mejora con el buen uso del color que realiza Felipe Sobreiro.


Que nadie busque una historia de ciencia ficción o terror sesuda y de múltiples matices, porque "Spread" no es nada de eso. Se trata de una obra de lectura fácil y rápida que nos ofrece lucha por la supervivencia con grandes dosis de acción, diversión y, sobre todo, sangre. De la misma manera que la masa hambrienta del cómic engulle todo lo que pilla, también nosotros devoramos las páginas de "Spread" con avidez morbosa.
Si no sóis de estómago delicado, podéis encontrar este cómic en inglés en tiendas como Amazon, Bookdepository o Wordery.

Mi nota: 7

21 de octubre de 2015

LA CUMBRE ESCARLATA (Guillermo del Toro, 2015)

Siglo XIX. Una joven aspirante a escritora queda prendada de un misterioso caballero inglés con el que se trasladará a una enorme pero ruinosa mansión en un pequeño condado de Inglaterra. Allí no tardará en darse cuenta de que su marido y la estricta hermana de él esconden numerosos secretos.

Tras los discretos resultados comerciales que cosechó Pacific Rim (2013)Guillermo del Toro vuelve a la carga explorando terrenos en los que se siente mucho más cómodo. El director mexicano ha creado para la ocasión un relato de terror gótico con regusto a clásico. Tras un tramo inicial que podríamos definir como costumbrista, pronto se va desvelando la tenebrosa naturaleza de un cuento adulto que cuenta con dosis de oscuridad y truculencia pero sin llegar a resultar molestas para un público mayoritario. Al tratarse de una especie de homenaje a las cintas de terror gótico que plagaban las carteleras en los años 50 y 60, la trama toma muchos elementos de dichas producciones, por lo que en ese sentido resulta poco original o novedosa.

Ahí precisamente comienzan los problemas que presenta la película, ya que todo resulta sumamente previsible y poco sorprendente. La atmósfera de terror, para los que estamos curtidos en el género, es demasiado liviana aunque reconozco que hay un par de momentos en el desenlace que no me esperaba. Además, hay un elemento que chirría especialmente, y son unos efectos digitales que me parecen poco apropiados para este tipo de historias, y en mi opinión esto le resta mucho de impacto a las secuencias en las que se utilizan.

Visualmente, La Cumbre Escarlata resulta primorosa. La producción artística brilla con luz propia y se convierte en la gran protagonista del filme, siendo el vestuario y los decorados una auténtica delicia para los ojos. Sin duda es lo más destacable de la película.
Los actores principales están bastante bien, destacando una Jessica Chastain que está empezando a cogerle el gusto a hacer papeles de malvada y, a mi parecer, lo borda. Tom Hiddlestone sigue bastante al alza con un papel diferente al Loki de Los Vengadores (2012) pero igualmente magnético. Junto a ellos, Mia Wasikowska me parece bastante sosa en esta película con una actuación muy plana. Completa el cuarteto Charlie Hunnam, el Jax Teller de Sons of Anarchy, que repite con Guillermo del Toro tras "Pacific Rim".

Por lo tanto, "La Cumbre Escarlata" se queda en una delicia visual y un correcto homenaje a un cine de terror añejo que ya no se hace, pero que se queda un pelín corta para los verdaderos amantes del género. Aún así, recomendable.

Mi nota: 6,5


19 de octubre de 2015

OCULUS, EL ESPEJO DEL MAL (Mike Flanagan, 2013)

Tras el buen sabor de boca que me dejó Absentia (2011), llegó el momento de visionar la siguiente película de Mike Flanagan. Oculus: El espejo del mal es una nuevo thriller de terror que nos cuenta la historia de dos hermanos que sufrieron un episodio traumático siendo niños. Aunque a priori pueda parecer que tiene poco en común con su precedesora, la verdad es que comparten ciertos puntos que veremos a continuación.

El escaso presupuesto de la película hace que su aspecto visual sea mucho más austero que el de otras producciones del género, cosa que ya pasaba en "Absentia". Sin embargo, ello no es óbice para que Mike Flanagan se las ingenie potenciando otros aspectos del filme. La trama tiene peso específico y esconde mucho más de lo que parece. El guión firmado por el propio Flanagan junto a Jeff Howard sabe jugar de manera inteligente con las expectativas del espectador, y nos ofrece una ambigüedad muy alta para que dudemos de si lo que estamos viendo es real o es producto de la mente de los protagonistas. También esto estaba presente en la anterior película del director, de la misma manera que introduce un elemento dramático subyacente bajo el relato de terror.

La historia en esta ocasión se nos ofrece alternando dos líneas temporales, la de la actualidad y la del pasado cuando se produjo el hecho traumático que es la base sobre la que gira toda la trama. Esto conlleva una considerable labor en la sala de edición, y los responsables han estado a la altura consiguiendo un montaje modélico puesto al servicio de la historia. El ritmo puede resultar un tanto lento al principio, pero durante toda la segunda mitad de la película es magnífico. Podemos ver secuencias perfectamente construidas que nos hacen preguntarnos si lo que vemos es real o una alucinación de los personajes, y ahí radica gran parte del suspense de la película.
Como parte negativa, hay elementos un tanto desaprovechados, como el propio espejo que, siendo el eje central de la trama, podía haber dado más juego, o el uso de las videocámaras para grabar todo lo que va sucediendo pero que apenas tienen relevancia.

Una producción tan modesta no puede aspirar a contar con rostros conocidos, pero eso no siempre es malo. El peso de la función lo lleva con éxito la joven Karen Gillan (famosa por la serie Doctor Who y por aparecer en Guardianes de la Galaxia (2014)), aunque las interpretaciones más intensas son las de la inquietante Katee Sackhoff y el sobrio Rory Cochrane haciendo de los padres.

Resumiendo, "Oculus: el espejo del mal" es otra excelente muestra de que no hacen falta presupuestos abultados para crear atmósferas y sensaciones dentro del género de terror. Mike Flanagan se revela como un director interesante con un discurso propio y estimulante, sabiendo dotar a sus historias de una ambigüedad metafórica que deja una ventana abierta a diferentes interpretaciones. De momento dos de dos, señor Flanagan.

Mi nota: 7

15 de octubre de 2015

HOME MOVIE (Christopher Denham, 2008)

Un matrimonio formado por un pastor luterano y una psicóloga. Dos hijos gemelos, niño y niña, que nunca se ríen y apenas pronuncian palabra. Ningún ingrediente más necesitó el actor Christopher Denham para su firmar su debut como director.

Home Movie es una película de terror rodada en el formato found footage que nos muestra cómo una familia se graba en videocámara todas las festividades o fechas señaladas. A través de esas grabaciones pronto somos testigos de que los hijos no tienen un comportamiento normal, de heho cualquiera diría que están sacados de "El pueblo de los malditos" o "La profecía". La manera de actuar de los gemelos termina siendo un detonante que destapa las miserias de la familia, y todo va empeorando hasta llegar a situaciones irreversibles.

Denham se las apaña para conseguir una película que mantiene el interés basándose en un buen planteamiento de la trama. El desarrollo de la acción sigue el esquema habitual de las cintas del género de cámara en mano y, aunque no llega a sorprender, al menos logra una buena ambientación para mantenernos atentos a la pantalla. A ello ayudan unas correctas interpretaciones tanto del matrimonio (formado por los actores Adrian Pasdar y Cady McClain, ambos forjados en series de televisión) como de los inquietantes niños interpretados por Austin y Amber Joy Williams (sí, son hermanos en la vida real).
Lo más destacable de la cinta es esa atmósfera malsana que poco a poco se va desvelando, aunque al final todo termina siendo demasiado exagerado y ello le quita impacto a esa atmósfera creada. Lo malo es que el director podía haber metido el dedo en la llaga en un par de situaciones muy delicadas, pero finalmente opta por lo más cómodo y desaprovecha esos momentos que podrían haber elevado la película muy por encima de la media.

En definitiva, un correcto found footage que no pasará a la historia y que deja la sensación de que podría haber sido mucho más, pero que es una buena opción para esas tardes aburridas en las que no tenemos nada mejor que ver.

Mi nota: 5